Tatuceras revista

¿CÓMO EVITAR QUE SE REBALSE EL WATER?

2011-10-25T22:23:00.000-07:00

(…) Triste clown, miserable

mezcla de mono y rata, cuyo rabo

peinan en Wall Street con pomada de oro,

no pasarán los días sin que caigas del árbol

y seas el montón de inmundicia evidente

que el transeúnte evita pisar en las esquinas!

Pablo Neruda – Canto General

Hacia 1948, cuando el “gobernar es producir” comenzaba a mostrar sus primeros resultados en la sociedad chilena, llega a la presidencia Gabriel González Videla, controvertido y ambiguo presidente de Chile.

En un Chile azotado por una incipiente recesión postguerra, González Videla, luego de múltiples baches y vericuetos gubernamentales, arremete contra su principal plataforma eleccionaria y proscribe al Partido Comunista de la esfera política de nuestro país, persiguiendo e inhabilitando todo cargo, cercanía y militancia PC con la mentada Ley de Defensa Permanente de la Democracia, más conocida como “Ley maldita”. De esta manera, inaugura Pisagua como una versión criolla de Auschwitz, relegando a cerca de 500 chilenos, e incluye en su gobierno a sectores de la vereda política opuesta, marcando un hito en la historia presidencial y de traición en nuestro país.

Estos acontecimientos, de hace más de 50 años, parecieran ser lugares comunes en el manejo político del actual gobierno. Y no me refiero sólo a la inclusión de un par de moderados con alma de aliancistas al gabinete del sr. Piñera, sino al famoso proyecto de ley que modifica el artículo 269 del código penal: la llamada “Ley Hinzpeter” o “ley antitomas”. Dicha ley calificaría como delito cualquier “ocupación o invasión ilegal de inmuebles” desde viviendas deshabitadas a centros comerciales, religiosos y los mismos centros educacionales. Además, se incluiría en la noción de “desordenes públicos”, la interrupción de servicios públicos, el saqueo, las faltas de respeto a la autoridad y todo lo anterior, con la yapa y agravante terrorista de actuar encapuchado.

Una modificación legal que no es consecuencia de una necesidad de la población, sino producto de la ineficacia administrativa y mal manejo de la fuerza policial. Hecho que se ve demostrado al analizar la confusa figura legal que tipificaría de la misma forma a marchas no autorizadas, a protestas de pacifismo activo en la vía pública, a la toma de las calles ante la nula afluencia de las micros, al saqueo de grandes cadenas de supermercados y a las barricadas conmemorativas en alguna población de Santiago.

En un momento histórico para las organizaciones sociales en Chile, donde, creo, se logró resemantizar la protesta popular y que los mismos actores tomaran consciencia de su papel en los cambios históricos, no debiera asombrar que la clase política y los sectores amenazados por esta especie de huracán reivindicativo busquen proscribir la indignación.

Ahora bien, la discusión que me interesa poner en el tapete, y que ha pasado casi desapercibida, es en relación a las nuevas atribuciones de la policía, entre las cuales está la requisición o retención –sin orden previa de un fiscal- de las imágenes y videos captados por algún medio de comunicación durante alguna protesta o ilícito. Este hecho, que es lisa y llanamente un atentado a la malograda y manoseada libertad de prensa, es el que en un futuro separará de manera artificial –en una paráfrasis de la noción de conciencia de clases- a la prensa para el pueblo y la prensa contra el pueblo, hecho que no es del todo perjudicial, pero que reducirá la labor del periodista a escoger un lado de la verdad de la noticia, desechando ese caldo de cabeza que era la pretendida objetividad ante los hechos que muchos aún intentaban (y que de todas maneras nunca existió). Un oficio que debiera tener una voluntad más analítica que política, si nos pensamos junto a Alicia en su país de las maravillas, pero que si lo llevamos a nuestra realidad, en algunos casos permitiría reforzar las trincheras con periodistas que estén dispuestos a dar la pelea por la libertad de la información, a la manera de los cronistas de la segunda república en la España del 36´o tal como lo hicieron muchos fotógrafos en la dictadura de Pinochet, que veían en su foco lo más parecido a la punta de una bayoneta.

Todos los oficios ligados al despliegue de información audiovisual, es decir, la labor de fotógrafo convertida hoy en un juego de cuicos, la de camarógrafo basada en filmar destrozos, llantos y culos fotogénicos y la de periodista en terreno, que reside en inventar acontecimientos y “climas ciudadanos” según la línea editorial del canal (hecho que queda demostrado con la prensa internacional), podrían ser cambiados por una labor profesional con una línea más política, confrontacional y verdaderamente independiente, al ya no sólo ver sus intereses económicos en juego, sino también su integridad física y libertades personales.

Es de esperar que las consecuencias de medidas tan torcidas como estas no tengan frutos ni los resultados esperados. Pues claramente es un golpe de autoridad frente a un pueblo que sólo tiene sus pulmones y “el poder del voto” contra un ejército muy bien armado, que siempre ha buscado proteger a los mismos gobiernos, no de los bolivianos sin mar, sino de la ciudadanía consciente que estaría dispuesta a dejar lo que sea por cambiar toda esta wea.

No es una sorpresa que Piñera tome el papel histórico que le correspondió a González Videla, si Hinzpeter ha querido hacer de comandante Merino.

Consejo práctico: la mejor manera de evitar que se rebalse el wáter de tanta mierda es cambiando la taza del baño y limitando la entrada. Se detendrá por sospecha a cada pedorro y pedorra para evitar futuras indigestiones. Todo el que oiga o huela algún aroma sospechoso deberá prestar declaración.

Por Matías Rojas G.

ESCARBAR EN LA COSTRA

2011-10-25T09:00:00.000-07:00

Hebras viudas

David Bustos

Editorial Cuarto Propio

2011

76 pág.

“Coges el cuchillo para escribir un poema/ no logras empuñar con fuerza” se lee a la mitad de Hebras viudas (2011), el último poemario de David Bustos (Santiago, 1972). A esas alturas, ya todo está perdido, ni siquiera la literatura es ese cobijo imperturbable que aquieta la realidad. Sin embargo, Bustos recurre a ella para descifrar las averías de su separación familiar y encarnar el remordimiento de su íntimo lloriqueo.

Hebras Viudas es un examen de conciencia que exhibe la imperfecta resignación de su autor frente a la caducidad de su matrimonio. David Bustos recoge los restos de sí mismo y expone la intimidad de su sicótica restauración emocional. De esta manera, transcribe el padecimiento progresivo de su abandono y describe, desde la devoción a la ternura (“Ahora en su dormitorio manipula invisibles diálogos de/ muñecas y peluches/ Ella es el ventrílocuo de su mundo”) hasta la secuelas del destierro (“Clavado a la cruz de la familia disfuncional que somos”), las estrategias de sobrevivencia de su ruptura y aislamiento. Pero ni los cigarrillos, ni los litros de té, ni Lacan, ni Freud, ni las sesiones en el diván amortiguan el desconsuelo de una existencia que subsiste entre los residuos de sus recuerdos: “Sacas el colchón al sol/ observas la erosión del peso/ sobre la superficie. Hace más de un año/ que nadie duerme a tu lado/ la simetría de una pareja estable/ el viudo colchón de dos plazas”.

Entre medio de este proceso, Hebras viudas delata la paranoia de la culpa y sus efectos. Poco a poco, configura lo que parece ser la última pataleta de un desposeído que reconoce su vulnerabilidad. Bustos calibra de forma gradual un gemido que se condensa en el alarido de su propio arrepentimiento. Derrama constantemente su memoria para escapar de su despojo familiar y habitar en los contornos de un tiempo estático y habitual: “Un director de cine neurótico/ cansado ilumina con palabras sueltas/ un escenario que ya hace meses/ ha sido desmontado”.

Así las cosas, es posible leer Hebras viudas como si fuera la bitácora confesional de un desesperado, un diario de vida capaz de sustentar la recóndita intimidad de un emo. No es extraño: David Bustos escarba en la costra de su disolución familiar (“Atrapado en un tiempo que no te pertenece”) para buscar un alivio a su desprendimiento. El ejercicio, por supuesto, roza el trastorno y el despecho. Esta alusión de masoquismo quinceañero convierte a estos poemas, a ratos, en un lamento insoportable, en la reiteración de una necrológica que nadie quiere escuchar.

Camilo Tapia

OJO CON LOS PARÁSITOS

2011-10-01T18:59:00.000-07:00

Hoy por hoy, la política está en más bocas que antes. Ya sea por el alza del gas en Magallanes, por los derechos civiles de las parejas homosexuales, por el salvaje aniquilamiento ambiental de Barrick Gold o Hidro Aysén, o por el grosero negocio de la Educación, la salud, las Isapres, las AFP. Está bien. La gente después de años de garrotazos, decepciones, frustraciones y promesas incumplidas está un poquito más desconfiada y está intentando incipientemente recuperar los espacios políticos de participación de masas.

Eso a nivel de “masas”, o de “ciudadanía” como se los llama hoy en día, pero a nivel de aparatos políticos la cuestión resulta más que nunca nauseabunda.

Sabemos, por una parte, que el gobierno actual, encabezado por el "señor" Sebastián Piñera, pertenece al sector más “flaite” de la burguesía; aves de rapiña, animales carroñeros que llenan sus abultadas billeteras a través de la extracción de plusvalía principalmente absoluta, los cuales han arrasado históricamente, y de la manera más grosera, las riquezas naturales de Latinoamérica y han parasitado del capital financiero y retail sin impulsar ningún proyecto productivo.

Pero a su vez, sabemos que este sistema “democrático” permite la existencia de un bloque de “oposición”. Y es aquí donde quiero detenerme porque el olor nauseabundo es insoportable. Si bien, en este país existen muchos cara de raja, estos “señores y señoras” de oposición llegan a un extremo que roza lo bizarro. No sólo apesta verlos en las marchas, “apoyando” las demandas populares; no sólo apesta ver nuevamente sus banderitas cínicas de traición histórica; no solamente apesta escuchar a la ex ministra Yasna Provoste o a la vieja del jarrazo opinar a favor del movimiento estudiantil, acusando al gobierno de hacer oídos sordos a las demandas de la gente o que el sistema educacional está colapsado; escuchar al milico de Vidal, ex vocero de gobierno, decir que la derecha no ha sabido interpretar los problemas de la gente porque les ha faltado gobernabilidad y voluntad de escuchar; ver a los parásitos intentar "refundar" un bloque de centroizquierda que refleje las demandas de la población . Esto no sólo es ser cara de raja, sino es un escupo en la boca, una patá en la guata, una violación sistemática, una vuelta bizarra de chaqueta, conductas dignas de psicópatas, porque los parásitos ni se arrugan.

¿Acaso no fueron los autodenominados señores progresistas, centroizquierdistas, concertacionistas, o cómo se quieran llamar, los que han tirado a la chuña los recursos naturales tales como el agua, la Patagonia o Pascua Lama, que han precarizado las condiciones laborales de manera escandalosa, que han mantenido salarios de hambre mientras han permitido que el retail despedace a la gente con créditos y tarjetas, que han sostenido el lucro más descarnado con la salud, la educación y la vivienda, que han reprimido a la gente de manera bestial (o no señor Belisario Velasco), que han matado mapuches, que han creado la ley antiterrorista para justificar la repre, que tienen las cárceles llenas de gente y las calles llenas de pacos y que han sostenido a los señores empresarios engordando y satisfechos de lo fácil que ha sido empelotar a este pueblo "embrutecido"?.

Son éstos dos bloques los que se creen dueños de la moral y las buenas costumbres, del concepto de ciudadanía, democracia y participación, del concepto de familia, y lo saben imponer. Y les resulta muy bien. Dos bloques igualmente parásitos, donde los señores “progresistas” han hecho sólo progresar sus bolsillos y la miseria de la gente.

Muchos dirán que esto ya lo sabían, que es cuento viejo, pero me parece preocupante ya que por lo general tenemos muy mala memoria a corto plazo.

Me resulta aberrante ver a los parásitos en asambleas y sindicatos ocupando cargos una vez más, en la vieja pose izquierdista de lobo con piel de oveja. Me parece desconcertante que, una vez más, se utilice el personalismo para ocultar los problemas de fondo. Si alguna vez fue Pinochet ahora es Piñera, y las soluciones de los parásitos es cambiarlo por otros parásitos, donde la figura de Bachelet emerge nuevamente como la carta comodín.

No olvidemos que la señora Bachellet fue una presidenta con enfoque ciudadano. Es cosa de preguntarle a los pingüinos del 2006, a los deudores habitacionales, a los subcontratistas del cobre, a los trabajadores forestales, a los portuarios, a los mapuches, a los ambientalistas, a los jubilados, a los profesores, a la ciudadanía en su conjunto.

¿O es que acaso creerán que la gente es tonta?

El tiempo de rascarse ya pasó...¡Parásitos fuera! Tanax social.

Comandante Tiroloko

Algunas digresiones a partir del caso de “El loco pepe”

2011-09-15T22:59:00.000-07:00

“En fin, ellos mismos no quieren, ni pueden, reconocer
que su frac profesional no es más
que un traje de presidiario bien cortado.”

Trotsky, León - Literatura y revolución

Esto bien podría llamarse “Que no sepa tu mano izquierda, lo que hace tu mano derecha” si se considerara algo estrictamente político. Otro título tentativo sería “La práctica literaria” pero se correría el riesgo de confundir este pequeño artículo, con un taller de poesía de algún miembro de las juventudes comunistas. Lo cierto, es que se denominó de esta forma pues el hecho que introduce (o ¿inspira?) la elucubración es lo más parecido a una crónica de estos programas de ayuda a la ciudadanía y no hablo de “Aló Ely” sino de “Policías en acción” o “133, atrapados por la realidad”, que cabe mencionar , son un gran aporte a la tergiversación de la información. Bienaventurados sus editores.

Hace 50 años, cuando el crimen organizado estaba marcado por la leyenda de Al Capone y su “sindicato del crimen” ocurre, en la pujante ciudad de Santiago de Chile, un acontecimiento peculiar que ligará y –por qué no- revelará la estrecha relación que existe entre crimen y literatura (desde el punto de vista del peligro y no del monetario, evidentemente)

Departamento 71, calle Huérfanos número 1492, diciembre del año 61: Es detenido el ciudadano argentino José Roberto Rubio, alias el "Loco Pepe", lanza de exportación, asalta bancos, contrabandista, escritor y lector asiduo. Puede ser que su historia personal no marque un precedente en la historia del crimen de su país; con figuras tan enigmáticas como “El petiso orejudo”, el “Tata Dios”, la octogenaria Yiya Murano o José López Rega (una especie de Mamo Contreras trasandino), pero la particularidad de sus declaraciones y carácter obstinado por vivir literariamente la vida del hampa (si es que se puede vivir así la necesidad, la exclusión y el hambre) han quedado en el inconsciente colectivo de muchos.

“¿Y qué son unas pocas balas cuando está en juego la libertad? Nuestro fin era ser libres y no el asesinato”, decía mientras lo ingresaban a la posta en 1966, luego de ser herido en un motín que protagonizaba en la Penitenciaria de Santiago. Aquí el cuestionamiento emerge desde la propia humanidad del recluso. ¿Dónde termina el ladrón y donde comienza la persona? Y por sobre todo: ¿Cuál es la actitud o práctica del arte en la vida concreta?

Fanático de Zola, Gorki, Dickens y Dostoiewski es este personaje un ejemplo de la vida por y para la libertad. Debo aclarar de paso, que no pretendo hacer una apología del delito sino esbozar una cierta ética del exceso, en tiempos donde es necesario.

Pensemos en el recontrarrumiado “tema” del problema estudiantil (denominación parecida al “problema mapuche” que encubre el verdadero sentido del problema, del estado chileno con la nación mapuche). Los diversos disturbios y violencia ejercida continuamente luego de la marcha misma, no hace más que reflejar la disconformidad con el estado de las cosas. Sería absurdo afirmar que deslegitiman las demandas . Un sistema no puede ofrecerte tan pocas alternativas: o ser un trabajador de la constru, o auxiliar de bus o meterte a milico. No hay paradoja más latente que ésta para el ciudadano medio, porque no hay ni pa` comprar libros si se quiere estudiar lo que sea, donde sea. Y ni hablar de la felicidad. La dicotomía al respecto se reduce a felicidad V/S sistema, no teniendo otra opción que adaptar la vida a este sistema que no produce lo que necesita sino lo que puede venderse y revenderse hasta el fin de los siglos. La misma oposición que se da entre valor y precio, entre realidad e ideal. Dan lo mismo las consideraciones de la presencia o ausencia del estado, si hay otros sistemas políticos mejores o si el trabajo planificado es más adecuado. Las proposiciones anteriores son sólo consecuencia de preocupaciones más importantes: ¿Cómo podríamos mejorar nuestra condición de seres humanos y sobre todo, nuestra felicidad?

Esta movilización se ha transformado en movimiento –su estadio posterior- y al parecer resulta ser la única oposición al gobierno de turno y sistema imperante, otorgando el sustento emocional e intelectual en esta experiencia colectiva, creativa y alegre. Se ha entendido que la práctica educacional que la realidad exige, debe ser la verdadera alternativa a un sistema político anquilosado y a un sistema económico que avanza y avanza aún a costa de sus mismos trabajadores, dejando de manifiesto que –como dice el papi Galeano- a la gente está al servicio de las cosas.

No es raro pasar del tema de la delincuencia a la revolución (que ha sido más de consciencia, porque aún no ha caído ningún Zar). Tanto delincuencia como revolución son básicamente subversión de la condición actual. No le crea a la RAE, ni a las columnas emotivas de Tironi, ni a los opúsculos paternalistas de Hermógenes Pérez de Arce, ni a cónsules del gobierno como José Miguel Viñuela, Kike Morandé o Iván Valenzuela; ni siquiera a Chesterton cuando afirma que revolución es el movimiento de un móvil que recorre una curva cerrada y vuelve así, al punto de partida . La sedición, la transgresión es el estado natural y permanente de las cosas, es decir, el fin es el medio.

Pero volvamos a la delincuencia. El enigmático “Loco pepe”, además de haber protagonizado 4 intentos de fuga desde el penal de Santiago (incluso se cuenta que una vez intentó salir disfrazado de Evita Perón), de haber participado en el millonario robo de barras de oro en el aeropuerto de Ezeiza, Argentina; escribió su autobiografía: “La vuelta al pago en ochenta y dos años: memorias del loco Pepe”, por la editorial Ráfaga en 1967. Luego de publicado y consecuencia de su amor por la literatura, quiso presentar estas memorias a la Sociedad de escritores de Chile, pero fue rechazada por estar cumpliendo una pena aflictiva. Esto provocó la rabia de José Roberto Rubio, el cual no entendía el porqué de la rotunda negativa: “Sólo por andar asaltando bancos, la veta de artista me fue negada. Cuando salga en libertad en el año 2043, miraré a los carabineros y entraré a la Sociedad de Escritores de Chile".

Independiente de que pudiera salir con 114 años de la Cárcel y lograr un record de algún reo en libertad (cosa que dudo), el hecho nos permite avizorar que siempre hay una noción del bien y del mal en el individuo. La divergencia de estos valores en la oposición hombre/sociedad, deben ser analizados a la luz de los distintos factores que influyen en el período de formación del sujeto –contextos o ideales- que hacen que la diversidad se transforme en algo peligroso, para los otros y para él mismo. No creo que la violencia, el delito y el exceso deban ser criminalizados de por sí, considerando que la crisis es un requisito de la renovación. La práctica del pensamiento respaldada por la vivencia empírica de la pobreza (que no es consecuencia sino origen), el hambre, el odio, las heridas de cierta clase social y la justicia de la calle, puede ser más fructífera a la hora de interpretar o encontrar respuestas a la conducta humana y a verdaderas realidades políticas que aún no han salido a la luz y que aunque brotaran, serían inentendibles para el ojo común; pues no todo se mide con la vara de las leyes, del sentido común y otros inventos del hombre para conservar sus intereses.

La búsqueda de la definición del caos, la personificación del espíritu de la historia suelen ser estériles y volubles. En ese sentido y considerando que la vida es corta, sería más productivo seguir buscando los restos de ocupantes del avión estrellado en Juan Fernández. Quizás en algún momento encuentren a Felipe Camiroaga (sin algunas partes, claro) junto al teniente Bello, cagados de la risa.

Matías Rojas G.

UN MIXTAPE PARA LA MISERIA

2011-09-07T19:39:00.000-07:00

Canciones punk para señoritas autodestructivas

Daniel Hidalgo

2011

178 pag.

Das Kapital Ediciones

Detrás de toda esa tinta que colorea las postales de Valparaíso, se esconde el corazón de una ciudad punki. Porque, más que una joya que brilla en medio del Pacífico, el puerto es un suburbio distópico que parece haber sobrevivido a una catástrofe nuclear. Es ese su verdadero rostro: el de una metrópolis que subsiste entre las ruinas del progreso, la fragancia a meado y el tufo de una brutal resaca de lo que alguna vez fue. Este territorio y sus habitantes delinean la ficción de los siete cuentos que integran Canciones punk para señoritas autodestructivas (2011) de Daniel Hidalgo (Valparaíso, 1983).

Con una precisión descarnada, Hidalgo cercena brutalmente a ese Valparaíso de estampilla y expone sus vísceras y tumores. Escarba esos rincones atestados de tags para rescatar las historias despojadas de patrimonio. Así, confecciona el álbum de retratos de esa “raza de mutantes viviendo en las alcantarillas, en las sombras de los desechos y la mierda de una ciudad que ya colapsa”. Y es el fracaso, acompañado de litros de alcohol barato, algunos paquetes de marihuana con bencina, unos pocos gramos de cocaína, mucho odio y, por supuesto, la ilusión de que fuera de Valparaíso todo podría ser mejor, el único sustento de estos personajes que, al igual que el lugar en el que habitan, quieren prácticamente caerse a pedazos. Sin embargo, logran transgredir los ataques de la imposibilidad y la violencia porque conocen una formula de resistencia: “La vida en la calle no es dura si eres un conchesumadre”.

Canciones punk para señoritas autodestructivas logra trazar la hagiografía bastarda del ghetto porteño. La santidad de los flaites y de los rockeros, y de toda esa clika que divaga por el puerto, está aquí, encapsulada en viñetas saturadas de sangre, disparos y chuchadas. En “Rock and roll elefante” se transmite el último recital de un pésimo vocalista con aura de rockstar, más preocupado de su rencor emocional que de crear memorables singles; en “Barrio Miseria 221” un grupo de punkys que parecen seguir la filosofía de Ricky Espinoza conocen el miedo a la inocencia entre los cerros; en “Silencio, hospital”, la inaguantable espera en la sala de urgencia de un SAPU origina el único acto de valentía de un ex guardia de seguridad; en “Ella era una chica indie” el abandono y el despecho desencadenan una reacción alérgica en el narrador cada vez que se cruza con productos under; en “Inflamable”, una pareja recurre a los más retorcidos métodos para restaurar su agrietada relación; en “La formula del fracaso”, tres adolescentes con escasa experiencia delictual perpetran un violento robo; en “Los monstruos mecánicos” se ilustra, a punta de golpes, por qué no es bueno remover el pasado con antiguos amores.

Cada uno de estos relatos armoniza el resentimiento de sus personajes con la reproducción de un mixtape preciso y oportuno. Daniel Hidalgo inserta una banda sonora desigual que ralentiza o estimula la brusquedad de esas escenas. Es posible escuchar a The Clash remixeado con Agrupación Marilyn. O a Yeah Yeah Yeah’s entre los beat box de pendejos raperos. Así, compone la música incidental apropiada para desentrañar el fracaso. Canciones punk para señoritas autodestructivas se vuelve un compilado imprescindible para escuchar la rabia silenciada de los intérpretes de la miseria.

Camilo Tapia

MIEDO

2011-08-24T21:39:00.000-07:00

César Cabello Salazar

Las Edades del Laberinto

80 pág. 2011

Piedra del Sol Ediciones

Existen algunos poemarios que dan miedo, la causa no es el contenido macabro que puedan concentrar sus versos, sino el sentido de desorientación y confusión que provoca en los lectores. Leerlos puede ser un ejercicio esquizofrénico o un acto de valentía. Lo digo pensando en ese revoltijo sin pies ni cabeza en el que a veces suele convertirse la poesía, y donde, al parecer, lo único que queda por hacer es tirarse al suelo en posición fetal, chuparse el pulgar y esperar a que ocurra cualquier cosa.

Uno de estos es Las Edades del Laberinto (2011) del poeta mapuche César Cabello (Santiago, 1977), que este año vuelve a editarse. Su título es una advertencia exacta del terreno engorroso y difuso al que se penetra inocentemente y del que, probablemente, nunca se saldrá con vida. Porque esta es la materialización de ese “gusto de la noche/ el equívoco y los laberintos/ a las cosas que son/ pero asemejan otras” al que se aferra su autor. Pero a diferencia de los laberintos reales donde se programan las equivocaciones, el texto de Cabello promueve la inexactitud y el desconcierto del lector porque su escritura es un descuido en si misma, una pieza que incita al error porque no va ninguna parte y se pierde y desperdicia en sus propias pistas.

Este gesto de barroco forzado pudo haber sido la inflexión substancial del texto. Sin embargo aquí la metáfora y la alegoría se diluyen en sus acicaladas construcciones, dejando toda referencia real inoculada de una irracionalidad que mutila su lectura. En ocasiones, César Cabello logra moldear una que otra temática que señala un posible camino a seguir, pero el gusto desproporcionado por lo exótico (Un jaguar herido me andaba en los amores/ como el dios que se obscurece/ y orina/ sobre el agua) y las buenas imágenes (Estoy seca/ cago solo polvo) descomponen su importancia. Ahí intentan estar el hijo bastardo y el regreso a casa, la madre inútil y el héroe blasfemado, la sublimidad de la música y la perfección de la poesía, todos atrofiados por el exceso de viñetas rupestres que inundan a estos poemas. O por la inoportuna plaga de referencias (Los amantes sorprendidos en la cópula/ de un poema que no es mío) que transforma el mecanismo simbólico en un inescrutable campo minado. Así, tratar de descifrar la ruta de salida de Las Edades del Laberinto se vuelve una práctica abrumadoramente tediosa. Fome.

Si lo que pretendía César Cabello era forjar un laberinto escritural donde el enredo y la perturbación fueran parte esencial de su lectura, lo ha logrado, pero en la forma primitiva de un cubo rubick lárico, fundamentalmente metafórico y saturado de hipervínculos textuales. El resultado empaña el carácter medular de una obra que dice más de lo que debiera decir. De hecho, es difícil discernir si existe un carácter medular. Y si para el hablante de Las Edades del Laberinto esto es “caer con todo el peso del cuerpo en el poema”, para los lectores no es más que sacarse la chucha en medio de una densa oscuridad que lo único que causa es miedo.

Camilo Tapia

DOMESTICACIÓN PICTÓRICA

2011-08-24T10:57:00.000-07:00

            Pintor y profesor de artes visuales, con una temprana formación artística heredada de su padre pintor autodidacta, Manuel Dongo desde hace algunos años viene desarrollando un trabajo prolífico. Alejado de las modas artísticas, obvia los discursos para concentrarse en el trabajo pictórico particular, en el oficio y en la ética personal. Es así, desde la indagación individual en la actividad pictórica y la interacción con su entorno, como trabaja.

            Manuel Dongo pinta desde Valparaíso, imperativamente, como una necesidad personal, interior, y hace de la pintura un trabajo de constante resistencia. Desde lo individual hacia lo colectivo, nos da luces de su entorno y de su imaginario personal. Vive el oficio de la pintura constantemente, dando pinceladas desde su hogar, que a la vez es su taller. Así, va transformando el acto pictórico en una actividad casi domestica.

            Articuladas desde la cotidianeidad más flagrante, las pinturas de Manuel Dongo, por momentos, parecen ser fotografías instantáneas de un álbum familiar olvidado. Vemos ahí rostro, facciones, gestos, piel y arrugas: las huellas del tiempo. A la manera de algunas escenas de David Lynch, las atmósferas y los personajes retratados nos remiten a otro momento, a otra circunstancia, en las que sin embargo no es difícil entrar, pues parecen estar cargadas de una cercana intimidad.

            Naturalidad y potencia se conjugan en su técnica, que encuentra referentes en el recientemente fallecido Lucian Freud, en la determinación por el oficio de Pablo Schugurensky y en la conciencia cárnica de Jenny Saville. Dongo investiga, prueba y perfecciona sus métodos. Es así como se entiende su relación con los materiales, la tela y su técnica, que pareciera cada vez alcanzar mayores niveles de expresividad.

            Parriano en la representación, este artista, desde su particularidad, nos da luces de una nueva pintura social, preocupada de la clase media chilena, por mucho tiempo casi ausente de las preocupaciones de las artes visuales. Ahí es donde vuelca su trabajo para abrirse y profundizar en las nuevas formas de entender la relación del arte con las personas y de las personas con su entorno.

            Domesticación Pictórica es el nombre de su primera exposición individual. Muestra que recoge una parte significativa del trabajo que ha venido realizando durante los últimos años y que lo perfila como uno de los talentos jóvenes y promisorios de la pintura chilena contemporánea. Dicha muestra estará abierta al público desde el viernes 19 de agosto hasta el 15 de septiembre en la Galería Modigliani de Viña del mar.

Por Hernán Mañao.

Link con trabajos:

http://manueldongo.blogspot.com/p/portafolio.html

Entrevista a Juan Carlos Zagal, actor y director de Teatro Cinema

2011-08-06T23:37:00.000-07:00

Teatro Cinema se ha convertido en una compañía de reconocimiento internacional, pionera en el uso de nuevas tecnologías que renuevan conceptos fundamentales del teatro. En el marco de una gira nacional que los lleva por Puerto Montt, Temuco, Concepción, Talca y Copiapó, presentando gratuitamente sus montajes "Sin Sangre"y "El hombre que daba de beber a las mariposas", conversamos momentos antes de presentarse en el Diego Ribera de Puerto Montt con Juan Carlos Zagal ex La Troppa, actor y director de Teatro Cinema.

A la distancia ¿Qué crees que significó el trabajo de La Troppa para ustedes? ¿Ven continuidad hasta llegar al trabajo de Teatro Cinema?

En La Troppa aprendimos de este oficio, a trabajar con rigor, con esfuerzo, con cariño, con dedicación y aprendimos a ser actores. Y es evidente que eso se transmite desde La Troppa, porque un oficio no es solo una técnica ni formulas que se aplican, sino que tiene que ver con el aprendizaje integral de uno como persona, entonces ante eso consideramos que fue un proceso muy enriquecedor como artistas teatrales, que continua con el trabajo de Teatro Cinema, continua el mismo espíritu, la misma intención de búsqueda, con metodologías distintas, con objetivos distintos, pero esencialmente es lo mismo. El haber sido una compañía por tanto tiempo también nos da una sensación de fidelidad al trabajo y de pertenencia. Ahora La Troppa se acabó y continua el trabajo de Teatro Cinema, pero para mí no hay mucha diferencia, en lo fundamental es lo mismo.

En el trabajo de Teatro Cinema, lo real y lo virtual se mezclan para lograr un lenguaje propio y particular que los acerca mucho a la vertiginosidad del cine ¿Cómo fue el proceso que los llevó a lograr este tipo de lenguaje, con esta estética?

Yo creo que no hubo una discontinuidad desde La Troppa hasta llegar a Teatro Cinema, creo que hubo una línea directa hasta llegar a Sin sangre .Tanto en contenidos como en estética, yo no siento que sea una diferencia muy grande. Lo que sí, el uso es que de la imagen y los videos nos separa un poco de La Troppa, pero continuamos utilizando la misma multiplicidad de lenguajes que se involucran en una sola puesta en escena y eso es lo que ve el espectador. Muchos cambios de plano, elementos de la cinematografía, lo teníamos en La Troppa, lo que pasa que ahora decididamente utilizamos un poco más de tecnología para lograr eso. Ahora, sí fue un trabajo duro para llegar a la puesta en escena final, pero en rigor no fue un proceso abrupto, sino que hubo más bien continuidad.

Su trabajo en general hace guiños sutiles en unos momentos y directos en otros con la historia política y social de nuestro país ¿Cómo entienden en este momento el binomio arte-política y la importancia social del teatro?

Nosotros tenemos una profunda relación con el tiempo presente que vivimos, y ese tiempo presente, para poder entenderlo, recurrimos a la historia y recurrimos a la distancia. Evidentemente, algo que pueda pasar en los Balcanes o que pueda pasar en Sudáfrica, a nosotros si nos debiera interesar, así puede haber un paralelo y una línea que se cruce con nuestra realidad y con nuestra historia, entonces, en términos humanos, no podemos desconectarnos de lo que estamos viviendo y tratamos de ser, no un reflejo de la realidad, sino que tener una base de nuestra realidad contingente que nos toca vivir, y desde ahí nacen nuestros personajes. Por lo tanto, buscamos que la gente reconozca, en lo que estamos narrando, algo de su realidad también y que conozca realidades de otras personas, de otras latitudes o de otras mentes también. En términos concretos, como nosotros nos criamos en dictadura y fuimos niños con ese periodo tan negro de nuestra historia, donde el poder se desata, nosotros somos bien sensibles a todo poder que soterradamente o directamente se ejerce sobre los ciudadanos, entonces también nuestro teatro apunta a plantear temas y desarrollar algún grado de análisis o discusión sobre lo político y sobre el poder en el fondo.

En su trabajo, la forma clásica de hacer teatro parece haber evolucionado hacia un método interdisciplinario que integra teatro, cine, comic, literatura y música ¿Cómo analizan las posibilidades de experimentación que ofrecen las nuevas tecnologías?

Las nuevas tecnologías para mi es sinónimo de herramientas y esas herramientas ya sean computacionales, de luz o de materialidad, porque también va mejorando ciertos materiales con los que puedes construir, todo eso, son herramientas que están al servicio de la creación, al servicio de los actores y al servicio de la compañía. No tenemos ninguna duda de que si hay algo que nos sirve lo vamos a utilizar, la cosa es cómo aprender a darle y situarla en un equilibrio junto a la palabra, junto al movimiento del actor, junto a sus emociones y junto a la historia, que no esté una por sobre la otra, sino como encontrar un justo equilibrio. Y evidentemente, nuestro teatro es atractivo a los sentidos, pero también es propósitivo en cuanto a contenido y en cuanto a simbología, y ahí es donde contenido y forma siempre ha sido la búsqueda esencial de lo que hacemos, ese equilibrio entre las dos, entonces, cualquier idea o elemento que sirva para narrar la historia nosotros lo usamos sin ningún temor.

En El Hombre que Daba de Beber a las Mariposas, intertextualidad y metarelato son parte importante de la obra ¿Cómo fue el proceso de construcción de la obra en cuanto al planteamiento del quiebre total de relato lineal?

Como es una obra muy personal donde los tres autores, Laura, Dauno y yo, nos adentramos en nuestras creencias, en nuestras visiones de la vida y del mundo, y en nuestros gustos más que todo, fue muy largo el proceso que realizamos. Con nuestro lenguaje de Teatro Cinema, lo que nos propusimos y lo que descubrimo fue como realizar un viaje en el tiempo y en el espacio de forma instantánea. Eso para nosotros fue súper importante, y como realizar eso en la mente, pero también en el cuerpo y como estructurar una historia para que pudiéramos nosotros hacer esos saltos cuánticos o esos saltos concretos. Empezamos a buscar una historia que pudiera graficar lo que nosotros teníamos entre manos, que podíamos cambiar absolutamente de plano, de realidad, de dimensión, y eso nos fue metiendo en un cuento donde entrabamos y salíamos de la realidad, y encontramos, por ejemplo, en la teoría del caos un hilo conductor y las mariposas que tienen un vuelo caótico. Y esta teoría del caos, teniendo en cuenta lo fractal, lo macro que está en lo micro o que uno contiene al otro y al otro, por lo tanto hay infinitas realidades paralelas, y de ahí para encontrar el puente, para entrar en una y otra, había un paso y eso fue lo que intentamos hacer dramatúrgicamente con esta obra, de graficar en distintos aspectos la vida y la muerte, el viaje en el tiempo y el espacio hacia infinitos y recónditos lugares de tu universo cerebral o hacia universos estelares, para nosotros era lo mismo una cosa o la otra. Ahí comenzó el viaje circular y el viaje caóticamente circular empezó a tomar fuerza. Fue largo el proceso para lo que llegamos a plantear en El hombre que da de beber a las mariposas, que por momentos es muy hermético, por momento se abre. Hay gente que lo entiende, hay gente que no entiende nada y se queda solo con la forma, pero para nosotros fue un vehículo para entre forma y contenido narrar lo mismo, estar en un mismo plano.

Haciendo un balance ¿Qué se pierde y qué se gana con esta nueva forma de hacer teatro? ¿Cuáles son los nuevos desafíos actorales qué requiere este método?

A ver, actoralmente esto nos acerca un poquito al cine, porque las escenas tienen un lapso de tiempo definida por el entorno y por los setting, o sea, por el espacio tiempo que están conformando una escena, que ya tiene una edición y un armado concreto. Ahí cada escena tiene una duración determinada que está establecida por todo el entorno. Un actor tiene que ser muy preciso, muy riguroso consigo mismo y estar muy atento porque tiene una partitura con la que tocar ciertos elementos, como si fuera un músico, él tiene una partitura y la tiene que seguir. Eso por un lado ayuda mucho la memoria, al rigor, ayuda a estar muy concentrado y ayuda a la interpretación finalmente, porque cada actor sabe lo que tiene que hacer y se preocupa mucho de interpretar cada día de mejor manera. Para mí, esta tecnología, o el uso de esto en cuanto a lenguaje en general, son preguntas abiertas y nosotros definimos que somos un grupo que experimenta en la puesta en escena. Para nosotros, no hay nada terminado, no hay nada que comience o que finalice, sino que son estados mentales, estados de nuestras vidas en donde nosotros realizamos un viaje y llegamos a un resultado equis. Después de esa experimentación, entonces, el teatro tradicional o el teatro de vanguardia o el teatro que usa tecnología o el teatro como se le quiera llamar, para mi depende mucho de las personas, no hay nada escrito, el teatro no existe de hecho, existen las ideas pero el teatro como tal cada vez que se acaba la obra se acabo el teatro.

Tanto en artes visuales como en literatura hay una lucha constante con la academia que se convierte en una especie de comisario del purismo de las bellas artes ¿Cuál crees ha sido la función de la academia en el teatro?

Es increíble como uno también acepta con absoluta facilidad y sumisión dogmas, códigos y estructuras, cuando la creación no tiene estructura, se trata de ir cuando es necesario a romper toda estructura para salir de nuevo a campo abierto, a descubrir qué hay después. Para mi gusto, por ejemplo, enseñar y estudiar teatro es una tontería de marca mayor, porque solamente se aprende teatro haciéndolo, no en un lugar donde te den dos o tres normas o formulas para luego repetir. De alguna manera, lo que creemos nosotros es que en el viaje y en la experimentación personal están los verdaderos descubrimientos y las verdaderas bases para hablar del teatro que nos toca vivir a nosotros, que es muy inmediatista. Todo lo que venga después, o lo que paso antes, son apreciaciones subjetivas de las personas, pero necesitamos ponernos en desacuerdo en algo. Entonces, uno llega a la conclusión de que las obras de Arthur Miller, estructuralmente o aristotélicamente, son perfectas y yo digo sí son increíbles, pero estoy seguro que no es el teatro que nosotros queremos hacer, o no es el teatro que van a querer hacer las futuras generaciones. Pero son piezas de museo que habría que admirar porque llegaron a algo en su momento, ahora son geniales, igual en cuanto a conclusiones, pero el camino está abierto y la diversidad es lo que más me interesa a mí en el teatro, la diversidad y su invitación a la experimentación y a la búsqueda.

¿Cuál es tu opinión con respecto a la labor de la institucionalidad en cuanto al fomento sostén y desarrollo del teatro chileno?

Es muy difícil hablar de institucionalidad porque prácticamente no hay, y si hay, es muy poco y esporádica. Entonces, aquí el gran valor que yo le asigno al desarrollo del lenguaje teatral es al esfuerzo, a la capacidad, a la tenacidad de los propios actores, de las propias compañías. Hablar del teatro en, por ejemplo, de Puerto Montt, vamos a tener que remitirnos, efectivamente, a las personas que han hecho teatro, y una vez realizado probablemente van comenzar a tener algún apoyo o alguna relación con cierta institucionalidad. Pero en general somos nómades, somos salvajes, somos hordas que andamos por las praderas mostrando lo que hacemos con bastante libertad, por eso la capacidad de resistencia de las compañías de teatro y de los actores es lo que hace que sobrevivan, pero no basado en una institucionalidad que los apoye o en una red que los sostenga sino por el amor propio.

Hace unos días falleció la escritora Agota Kristóf, cuyo trabajo inspira su obra Gemelos ¿Cuál es la importancia que ustedes le atribuyen a su trabajo en general y al legado artístico que deja?

Ella fue una mujer muy marginal, ella venia de Hungría, llegó a Suiza. Hablando húngaro escribió todas sus novelas en francés, eso ya fue un trabajo duro, un trabajo iniciático tremendo. Primero, vivir en una sociedad, en un mundo que no tenía nada que ver al de ella y luego hablar y pensar y crear en otra lengua, eso ya para mí es tremendamente valorable. Y toda su visión de la vida, su visión negra, apocalíptica de la vida en general y de las relaciones humanas, tienen que ver con su propia historia. A nosotros nos deja una mirada un poco dura acerca de la existencia, pero también toda esa capacidad de sobrevivir y sobreponerse y de resiliencia del ser humano. Ella lo hizo, se repuso, hizo su propio trabajo resiliente y en sus novelas siempre es así, aprender a soportar a sobrevivir y a superar todo. Su escritura es muy directa y de acción. Es una mujer que no está con los virtuosismos literarios porque estaba escribiendo en un idioma que no era su idioma originario, pero ella apunta directamente a nuestra humanidad completa. Para mí, ella es casi un obrero de la escritura, porque ella escribe hechos y te los muestra y es de una herencia muy Brechtiana también.

¿Qué viene para Teatro Cinema en el corto y el largo plazo?

No sé, sabes que yo creo que, o nos estrellamos o tomamos vuelo, porque vamos con los motores medios incendiados. De verdad, no tengo idea. No hay futuro. No hablo del futuro, puede que terminemos aquí en Puerto Montt porque esta súper difícil, porque esta época no le otorga ningún valor a la idea, al pensamiento, a la búsqueda. No. Viene todo embasado, todo muy procesado, todo muy clonado, entonces preocúpate de ti mismo, de tus cosas, olvídate de lo colectivo, olvida la crítica, olvídate del pensamiento. Compañías como la nuestra ya están en peligro de extinción, ya somos dinosaurios. Ahora viene el momento en que actores venden su capacidad de trabajo y se reencuentran y un poco ganan dinero y si no funciona adiós y si funciona bien, pero es una época muy materialista y muy artificial.

Por Hernán Mañao.

La cotidiana deformidad

2011-07-20T08:00:00.000-07:00

Polifonía Bicéfala, grafito sobre papel.

1. Desde principios de la década pasada Beto Martínez viene haciendo apariciones regulares en galerías con diversas exposiciones individuales y colectivas y selecciones en concursos de dibujo, grabado y pintura en ciudades como Viña del mar, Valparaíso, Santiago y Buenos aires. Alumno del profesor Jorge Martínez; un capo del grabado calcográfico y ex integrante del ya mítico Taller 99, Beto Martínez ha desarrollado un trabajo de una coherencia intrínseca donde la técnica, que Beto Martínez maneja a su antojo, parece estar indivisiblemente unida a su temática.

2. La delimitación de un espacio o territorio de producción, entendiendo éste como la base sostenedora de un discurso artístico, juega un papel fundamental al momento de articular un método de producción particular y distinto, y esto es algo que Beto Martínez entiende y de antemano hace bien. Como un buzo Martínez pareciera sumergirse con pericia táctica en una cotidianeidad deforme y sobrecargada de formas y de información, un terreno caótico desde donde articula y da forma a su trabajo.

3. Barroco y en ocasiones grotesco, Beto Martínez monta un frondoso entramado grafico que pareciera azaroso, pero luego no lo es, donde se mimetizan y aparecen rostros, siluetas, cuerpos, objetos, fragmentos de identidad que en la sobrecarga lineal encuentran su modo de crear escenas que nos remiten al ajetreo individual y colectivo, a una civilización enajenada y apática que convierte a Martínez en su documentalista. Sus trabajos son un registro critico de una realidad cada vez más atrofiada de humanidad, en la que generalmente solo atisbamos flashes, siluetas y sombras fuera de foco que en Martínez devienen en escenas casi solemnes como en “Encuentro” (grafito sobre papel),“desayuno final” (grafito sobre papel), “Espera y tránsito”(aguafuerte sobre zinc).

4. Las imágenes se transforman llegando a ser rastros, de lo que estuvo y lo que estará, un ejemplo claro de esto es el trabajo: Polifonía Bicéfala, grafito sobre papel. Dibujo seleccionado en el Salón Nacional de Artes Visuales 2009 donde se aprecia como lo indica el titulo dos rostros o cabezas siamesas en medio de un gran espectro de formas que tienden hacia una búsqueda orgánica como un ramaje de cuerpos y formas embutidas y sonando en conjunto.

5. El Profesor Jorge Martínez dice de su trabajo: “su obra, en lo técnico y en lo temático es un testimonio del hombre contemporáneo: fragmentado, integrado, desintegrado y total, de sus luchas contradictorias y de sus pausas esclarecedoras, en fin, de sus preguntas cargadas de respuestas”. Y sí, porque Beto Martínez no se pierde y logra entregar respuestas, en medio del caos lineal e iconográfico, articulando así su propuesta.

6. Desde la gráfica, donde Beto Martínez alcanza sus puntos más altos y con una obra pictórica que pareciera acontecer por desplazamiento, Martínez nos llama a hacer una pausa y ver los rostros de “lo otro”, en un acto de búsqueda y descubrimiento, en las sugerencias gráficas, a ver en la deformidad nuestra cotidianidad y en la cotidianidad el arte.

Por Hernán Mañao
Link con trabajos
http://betomartinez.blogspot.com/

LA FRUSTRACIÓN DETRÁS DE LA VIÑETA

2011-07-15T12:51:00.000-07:00

En el año 2002, Frank Miller entrevistó durante tres días a Will Eisner. Por supuesto, de lo único que hablaron fue de cómics. Todo estaba planeado para concebir un libro de no ficción en el que el padre de la novela gráfica y uno de sus más retorcidos exponentes cercenaran el género. Sin embargo, debido a las desorbitantes horas de grabación, el libro se publicó cuatro años después de ese encuentro, unos meses después de que el splash page de la vida de Eisner acabara de rotularse. Hasta esa fecha, el creador de The Spirit nunca dejó de hacer cómics y, con todos esos años en la industria, era una especie de almanaque biológico de la cartografía de la historieta norteamericana. El viejo Eisner había visto la historia del género frente a sus ojos porque, al fin y al cabo, era su propia historia.

En la mitad de Eisner/Miller, el resultado textual de la transcripción a esa entrevista, Will Eisner le dice a Frank Miller que el problema privativo de la industria del cómic es esa mentalidad esclavista que tiene hacia los dibujantes, esa expropiación de creatividad que ejerció por más de medio siglo sobre importantes artistas. De ahí en adelante, el diálogo que llevaban transmutará su temática académico genérico y se deformará en un pelambre poblacional sobre la historia del cómic. Aparecerán nombres y situaciones descabelladas, puñaladas por la espalda, actitudes cobardes de próceres de la historieta, la figura de Jack Kirby como el gran perdedor, editores contratados por la mafia y, como resultado de todo, la infinita frustración de los dibujantes. Eisner parecerá más un opinólogo de la farándula que un estudioso del medio. A pesar de esto, el viejo Will Eisner no mentía, solo retrataba el making off de la viñeta, algo tan real y escabroso como macabro: la injusta condena de los dibujantes al olvido. Y al leer la segunda parte de Eisner/Miller, es inevitable no pensar en la novela gráfica que desentrañó con ironía ilustrada estas situaciones: Pussey! de Daniel Clowes.

Hace más de veinte años que Clowes viene saturando el género del cómic, desde que cimentó su obra de los desechos del underground. Con el tiempo, se ha vuelto un referente inapelable para comprender el desarrollo del medio. Pussey!, una de sus producciones más piola, es una radiografía medular al sórdido funcionamiento del dispositivo editorial. A través de un conjunto de historias autoconclusivas, esta narración gráfica exhibe los momentos substanciales de la vida de Dan Pussey, un nerd crónico que ha hecho de los cómics su paradigma existencial. Dibujante profesional, fanático patológico e inadaptado sociosexual, Pussey revolotea entre el aparente reconocimiento de sus pares y el desarraigo de una sociedad que no comprende su fanatización. A todas luces, es un perdedor. Una particularidad que se intensificará cuando la editorial que lo exaltó a la popularidad lo tire al vacío de la frustración.

Pussey! revela el canibalismo competitivo que se esconde detrás de las viñetas, esa carnicería industrial que nadie ve por las rotulaciones y el entintado. Clowes utiliza el género para denunciar a las editoriales que fructifican con el género. Por ello, sus personajes son una alegoría bien ajustada al fragmento de la realidad que hay en la producción de toda historieta. Pero también, está esa manía del autor de Eigthball de delinear el fracaso, de cincelar el pozo de la degradación humana. Porque Pussey!, aparte de aludir al funcionamiento de los engranajes de la maquinaria editorial, encarna la aniquilación desmoralizadora y la decepción de esos dibujantes de los que hablaba el viejo Will Eisner. Dibujantes reales que se resignaron a subsistir en los contornos de una corporación que no los beneficiaba, solo para desarrollar lo que realmente los apasionaba en sus miserables vidas.

Camilo Tapia

Link de descarga Pussey!:

http://www.mediafire.com/?u31e7s1celcqq5l

Blow Job Colectivo (Mejicaneado de Valente es mi copiloto)

2011-06-28T23:48:00.000-07:00

Hablemo a lo vió: la narrativa chilena, la del primer decenio del siglo XXI, ha sabido dislocar esa tradición escritural que, a veces, o en realidad, muy frecuentemente, desanima, aburre o juatea. Porque ésta es escritura hecha desde la fisura de la literatura; es decir, desde esa grieta donde la literatura se confunde o se conjuga con la multiplicidad de formas narrativas, forjando obras mutantes hasta lo inconcebible. Y eso, a mi entender, es bueno. Buenísimo. Ya que, al lado de la prematura experimentación del laboratorio literario de los ´80 y de la producción escritural de cartón de los ´90, obras como Ygdrasil, Caja Negra o Bonsái –sin olvidar a Synco, La Vida privada de los árboles o Música Marciana, si es que debería agregar Cien- parecen tener mucho más ruido, mucha más saturación, mucho slipstream y poco, a ratos o bastante en otros ratos, de literatura. Son novelas que era necesario que se escribieran en Chile. Novelas que, desde una óptica de apertura escritural, parecen ser los acoples claves de una música piante que intenta armonizarse.

Y, tal vez, solo tal vez, esta renovación tenga sus antecedentes en: uno, la buena lectura que los autores de esta generación hicieron de Bolaño, para quien la poesía del siglo XXI era la novela. Y, como estamo hablando a lo caallero, digámoslo: la poesía chilena, desde Rodrigo Lira, no, mejor desde esa especie de canon que intentó establecer Enrique Lihn en sus carteos con Bolaño y que denominó los Seis Tigres de la Poesía Chilena [1], no ha exhibido nada nuevo. En otras palabras, la elaboración actual de poesía no es más que un tumor en la obra o en los lomos de estos felinos. Pero tranqui, con este panorama hasta a mí se me hace, ya que desde el filtro que da Bolaño, la new poesía chilena, aunque suene un tanto idiota, la está escribiendo esta generación, estos autores, estos libros. Dos, la existencia de George Perec. Ahí no ma. Tres, la disímil nutrición que poseen estas novelas que poco o nada le deben a la literatura académicamente sometida. Por el contrario, éstas son obras que se lían junto con el animé, el manga, el cine de bajo presupuesto, los cómics, la filosofía punki de Ricky Espinoza, los periféricos subgéneros literarios, la trucha televisión chilena, la, aún más trucha, década de los ´90, el new age, el street art, Internet, el ciber espacio, la mitología chilena y los animales raros que aún hasta el día de hoy se excluyen de la literatura.

Estoy hablando de Jorge Baradit, de Álvaro Bisama, de Alejandro Zambra, en un segundo escalafón de Francisco Ortega y, más abajo pero más, más abajo, de Mike Wilson.

Por lo tanto, tasemo:

Baradit publica en el 2006 Ygdrasil y deja la patá. Una novela de Sci Fi capaz de licuar mitología regionalista, esoterismo, procesos históricos fantasmas, pornografía y el ciberespacio; todo acicalado con poesía hardcore de dispositivos tan diversos como el password para ingresar a un machitún. Es una Sci Fi a la chilena, a la latinoamericana, pero al mismo tiempo, una novela que extirpa toda supeditación incubatoria de tradición literaria, para amamantarse fruitivamente de componentes culturales orientales. Porque Ygdrasil parece escrita por un otaku, es decir, por un fanático patológico. El resultado: una novela que pareciera ser un animé o el posible guión de un buen cómic.

Álvaro Bisama ha publicado los libros de crónica Zona Cero (2003) y Postales Urbanas (2006), las novelas Caja Negra (2006) y Música Marciana (2008) y Cien Libros Chilenos (2008) donde intenta descifrar las transfiguraciones que ha sufrido Chile desde La Araucana hasta Ygdrasil. Respecto a su primera novela, Bisama, como un científico piante parece extremar con la experimentación y con la mutación y con la disgregación de la médula vertebral de la narratividad. Caja Negra es un libro salido de tubos de ensayo, pero no de los meticulosísimos ensayos de Diamela Eltit, sino de experimentaciones más bien casuales, accidentales. Un buen ejemplo del proyecto slipstrem escrito acá, en Chile.

Alejandro Zambra - el más silente de esta clika, pero también, creo, el más chorizo – publica Bonsái y La Vida Privada de los Árboles (2007) por Anagrama. Bonsái es una miniatura, respecto a la mínima cantidad de páginas que posee, pero que, al igual que un bonsái, tiene una mística cuática. Pero claro, esta mística no es tan mística, es literaria. Zambra, en Bonsái, esboza un resumen hecho a la rápida que se concreta en una sinopsis editada con precisión. El fansfilm de una obra literaria inexistente que la propia novela niega, porque el resto, todo ese engranaje de situaciones que circundan a un simple hecho, es literatura.

Hasta aquí, todo bien. Como ya dije, buenísimo. Todo bien también con Francisco Ortega, quien en El Número Kaifman pone a Chile como geografía de una conspiración que data del siglo XII y que recorre desde el régimen nazi, pasando por el Pentágono, hasta los más altos cargos del Vaticano. Entre medio, hace explotar el patio de comidas del Mall Plaza Arauco, crea un Hardware biológico y pone como protagonista de estas aventuras a un solterón de ultraderecha.

Bien. Pero como no he dejado de hablar a lo vió, y me percato, me doy cuenta, tomo conciencia de que, con la aparición de El Púgil (2008) de Mike Wilson, a esta generación – a excepción de esa especie de Ickins de Ahhhhhh Monstruos que es Alejandro Zambra – se le nota mucho el mariconeo, el sobajeo literario, el Blow Job colectivo que practican para encumbrar una novela que está muy por debajo de la calidad escritural actual.

Bisama dice: “Hay algo que perturba en El Púgil: tras su piel de low tech y sus citas al imaginario pop […] brilla acá la nostalgia de una épica rota”. Ortega sentencia: “Mike Wilson escribió una novela que es al mismo tiempo una enciclopedia pop…de ese pop que es parte del disco duro de la humanidad del siglo XX, XXI, XXII y lo que siga…”. Y Baradit emite: “Mike Wilson induce a la colisión la realidad, la cita y la memoria para fabricar […] una especie de derrumbe por sobrecarga en la mente del lector”. En una actitud que hace que se arrodillen hasta la pelvis de Wilson y que, desvergonzadamente, critiquen felando.

Por supuesto, El Púgil tiene cosas buenas, aunque mínimas, como la trinidad transfiguracional en la que, a lo largo de la novela, se procesa el protagonista y la irrupción gramatical del habla de un modelo, más o menos rústico, de una IA que. Es. Más. O. Menos. Así. Pero está lo malo, el escritor chileno-norteamenricano-argentino hace una novela que, al parecer, debe descomprimirse en WinRAR, ya que es un acopio o una lista de citas prensadas. Y esto, es decir el inventario pop que sus amigos enaltecen, es lo que desmenuza a El Púgil. Primero, porque algunas de las citas se clonan hasta la saciedad, no, hasta la saciedad no, hasta la coronilla, en una novela que no supera las 150 páginas. En otras palabras, el 60% de la escritura de El Púgil es reiteración de cita, reiteración de cita, reiteración de cita, reiteración de cita. Y segundo, porque estas citas, a excepción del cuento inconcluso de K. Dick y de la nevazón homicida que resulta ser El Eternauta, derivan de una cultura que para nosotros, los lectores que teníamos entre cinco o siete años en 1990, nos parece demasiado relativa, demasiado familiar. Es el pop que masticábamos mientras nos hacíamos adolescentes: las películas que la televisión canonizó con una, o a veces dos, transmisiones al año, los primeros animés que se masificaron en Chile, la producción fílmica de Sci Fi de los últimos diez años y las siempre ricas heroínas hetairas. ¡Holaaaaa enfermera! Y posiblemente esta cultura nos haya cautivado, incluso fanatizado, pero cuando teníamos 10 ó 12 ó 14 años. Hoy en día sabe a descompuesto, lo que hace que El Púgil se ensamble mal, con piezas obsoletas y encajadas a la fuerza, como si Mike Wilson se hubiese estado quedando atrás de esa detonación visceral que es, en la literatura, la primera decena del año 2000, como si hubiese escrito su libro en tanto hacía clases. Todo, para estar sentado en las conferencias, al lado de sus amigos, al lado de sus críticos: al lado de los grandes.

[1] Estos autores son: Claudio Bertoni, Diego Maqueira, Juan Luis Martínez, Rodrigo Lira – que, no es porque lo diga el Woody Allen de Bolaño, es el mejor de esta crew - , Armando Rubio y el mismo Roberto Bolaño, quienes constituyen una especie de Watchmen al interior de la poesía chilena. Y lo digo, primero, porque supieron - a pesar de los traumas de algunos y de la esquizofrenia de otros - salir victoriosos de las sombras de esos supervillanos en que se habían convertido Neruda, de Rokha y Huidobro; segundo, porque sus antecesores son Los Minutemen de la generación del ´50 y, tercero, porque pese a la subterraneidad a la que estaban condenados – por esa especie de Tratado Keene que es la academia - , hoy en día se leen, se publican sus textos inéditos y se estudian en las universidades. Con respecto a lo de Lihn, destacar la capacidad de análisis literario que realizaba a mediados de los ´80. Lihn presagió, como un oráculo, que éstos eran los autores que se estarían leyendo en el año 2000. Y no se equivocó.

Por Camilo Tapia

ENTREVISTA AL PINTOR Y DOCENTE MARIO IBARRA A.K.A PATE

2011-06-20T22:00:00.000-07:00

Artista visual y Profesor universitario, Mario Ibarra a.k.a Paté, ha desarrollado un trabajo anómalo dentro de la tradición pictórica chilena con un imaginario violento, descarnado y escatológico lleno de fragmentos que Paté arma y desarma configurando en su trabajo una parodia grotesca de nuestra identidad nacional, porque Paté no carece de humor. En su oficina de coordinador docente de la Facultad de Arte de la Universidad de Playa Ancha nos concede una entrevista que recorre parte de su labor como artista y educador.

¿Cómo fue el nacimiento de Paté como grafismo y como firma en tus trabajos y su vínculo a los rayados callejeros? ¿Tuvo que ver con el grafiti de alguna forma o tuvo que ver con el trabajo del mural en los 80?

Tuvo que ver más con el contexto político, con el hecho de que en Valparaíso había mucho rayado político y esto venia a ser como una alternativa. Como yo ya tenia cierta noción de que el arte era un camino que se refería a la imagen y la imagen se refería también a cambiar el espacio visual que observas cuando te desplazas por el entorno y que en ese momento era mucha cosa política, lo que hice fue poner un paté, que era un embutido que hablaba de lo paté-tico que era ese recorrido en relación a la repetición de ese tipo de rayado y no ver una obra que fuese más extraña en sentido de imagen. Entonces el paté era un grafismo negro, que tiene que ver con el graffiti no más o también con el perro que orina el lugar donde habita marcando territorio. Y ese paté generó en otros jóvenes, que me acuerdo eran de diseño de la Universidad de Valparaíso, hacer la respuesta a este grafismo y alguno dibujo una mano reventando el paté y así se creo un dialogo interesante con esa imagen grafica que después asumí como firma de obra. Pero nace de lo paté-tico que era el momento que se habitaba.

En relación a tu disciplina creativa ¿cómo es tu trabajo de taller en cuanto a tiempos y métodos de producción?

Antes pensaba que el pintor es el que tiene que pintar todos los días porque si no, no era pintor , pero ahora yo me considero un pintor que incursiona dentro de nuevos lenguajes por necesidad de buscar un camino que me haga sentir cómodo. Como no estoy validado en lo comercial porque he vendido re poco y no hago el ejercicio de la galería porque afortunadamente trabajo en la universidad y tengo un dinero fijo que me permite intentar en otras cosas que no son comerciales. Yo tengo una metodología que es ordenada en relación a proyectos que se van vinculando en el tiempo. Todo lo anterior no esta solucionado hasta el momento en que se reflexiona nuevamente y vas rescatando material, soporte, obra. Por ejemplo yo trabajo con objetos , esos objetos a veces los pinto, otras veces trato de ver que sucede con la pintura y el objeto real, trato de ponerlo dentro de una puesta en escena ficcionada como objeto animado y veo que pasa y ya tengo tres elementos que es la obra. Entonces la pintura pasa a un segundo plano, es un recurso más y ya no es la necesidad absoluta. Un computador es un recurso que te permite hacer una película, recolectas videos, puedes falsear con filtros, puedes hacer entrevistas, puedes hacer documentales ficcionados u obra de ficción solamente, conectar realidad con ficción o sea tienes la posibilidad de todo. En el arte hoy día están las fronteras diluidas entonces puedes pasar de un estadio a otro sin preocuparte de nada, sin que te importe nada y solo justificar en la medida que vayas a presentar un proyecto, pero como trabajo investigativo, indagatorio, personal, haces tu trabajo no más que después se enfrentará el publico y el publico decide. Pero si te valida una circunstancia, que sea el arte contemporáneo el que te valide y no opiniones de personas ni un circuito comercial, que no es malo tampoco recibir dinero por tu obra, porque el arte busca validarse y lo hace a través del objeto en el mercado. Acá como ejemplo no te compran registro de puesta en escena de instalaciones, lo que si sucede en Argentina que te compran la foto como obra. En Europa los museos te compran video porque va haciendo su archivo filmografico. Acá no, acá cuando te van a comprar un video. Acá te piden todo gratis, hasta te piden las pinturas para decorar un negocio. No hay conciencia de que el arte es una profesión más dentro de las actividades humanas, que tiene que ser cancelada porque el artista tiene que sobrevivir como cualquier otra persona. A veces te dicen regálame un cuadrito y si fueras boxeador te dirían regálame un combo en el hocico. No te lo pedirían. O a un doctor regálame una operación. No. Entonces hay que desarrollar respeto al artista, respeto a la profesión y humildad frente a la profesión también y por ahí pasa yo creo.

Parte del cine oriental contemporáneo incursiona en una cierta estética del horror. Esto también lo hace en otra medida Jenny Saville con sus pinturas de una anatomía descarnada. Tu obra también muestra el horror como algo cercano y a la vez parece desollar una parte oscura de intimidad nacional ¿cómo se ha desarrollado este proceso en tu obra?

Mi obra parte en esa circunstancia. El tiempo de la dictadura era un tiempo de inseguridad. No sabias lo que pasaba con tu vecino. Si llegaban los milicos. No sabias lo que pasaba al otro día si salías en toque de queda. Entonces aparece esa incertidumbre que era una cosa más emocional, más de sobrevivencia en un contexto político que no era apropiado para la libertad expresiva y que creo es el eje estructural de la obra que surge de la violencia que produce el temor y los miedos y que se mezcla después con la incertidumbre del arte contemporáneo. El arte contemporáneo no tiene una solución única. Y ahí lo que queda es desprenderse de todas esa creencias que aparentan tener solucionada la vida en relación de una sola forma y tirarse a la aventura. Hay que experimentar, y eso genera más incertidumbre porque no hay nada seguro. Como no estás validado por circuitos comerciales que te digan eso sí, eso se vende, avanzas en relación a tus propios descubrimientos. Yo creo que es la incertidumbre lo que me construye.

En tus pinturas más antiguas se puede apreciar una acumulación de objetos como las sillas, los piercing, los perros de ropa y perros callejeros. ¿Cómo iban apareciendo estas imágenes al momento de pintar?

Los cuadros antiguos empezaban por el título no por la obra. Por ejemplo; “Se le hizo agua la mente”, es una obra que habla de que tiene tantas ganas de algo que la mente en si aparece. “La procesión va por dentro”, “cumpleaños feliz” son conceptos que están, y después empieza la pintura, es la necesidad de construir el discurso visual a través de espacios íntimos. En como enfrentas el entorno y es una defensa también, decir tantas cosas que no sabes cómo decirlas en palabras y tratas de llevarla al espacio del cuadro

En el “oficio de pintor” una obra que se encuentra en la colección del Palacio Baburiza se aprecia una especie de apología personal del artista ¿Cómo se gesta esa obra?

Mi obra parte de la ironía también. De cuestionar. Y esa pintura se refería a lo precario de Valparaíso y el entorno que te construye. Eso tiene que ver con mis videos, con la pintura, con rescatar del cachureo ese Valparaíso que está desplegado en el suelo, que se elige con el pie. En esa pintura en particular era validar el oficio del pintor en el espacio local de Valparaíso. Tenía que ver con ideas particulares; con el paisaje, con lo precario, con el animal, el mojón, la playa las torpederas, un churrete enfrentado al buen material, el sufrimiento del artista en su parte más intima, su historia es triste, pero no es triste es divertida porque a la vez es como un chiste.

¿Cómo funciona el desplazamiento o la expansión que haces desde la pintura al video en relación a la narración que existe en la pintura de forma estática y a la movilidad que te proporciona el video?

Existe narración en la pintura, pero en el video se hace más evidente empieza ya el relato ficcionado donde puedes darle una dirección, una atmósfera. Eso en el trabajo del video se hace interesante. Yo pienso el video como el trabajo de una tela. Veo el video como si fuera un trabajo pictórico; veo texturas, voy fragmentando, voy pixeleando de la misma manera en que trabajo la pintura. Como exploratoria claro, para no repetirse. Aunque igual uno se tiende a repetir, pero para no repetirse uno busca un modo nuevo de pintar y en mi caso surge con el proceso del video. Al ponerle texto a la obra la empiezo a pensar como una película que tiene la cualidad y la técnica del óleo en relación a su imagen, pero también la veo como un proceso de otro trabajo que es un cuerpo de obra, o sea eso ya no es la obra necesaria absoluta sino es una herramienta más de un cuerpo de obra que construye en el espectador una cierta dinámica de observación, de mirada. Es entrar a un espacio que esta alterado por las circunstancias de lo estático, del relato pictórico que tiene que ver con textura, con color, con empaste del óleo y el video tiene que ver con lo mismo pero con fragmentación, con relato, con registro de lo cotidiano, con el audio que alarga el discurso de la tela dando una connotación de mirada distinta. La pantalla es una tela que esta proyectada y el lenguaje de video es la pintura expandida a esas posibilidades. Para mi la pintura expandida tiene que ver con que el ojo piensa todo a partir de la pintura, pero la pintura se diluye o se mezcla cuando hay referentes de conexión entre distintos lenguajes. El artista al ser el reflejo de su tiempo tiene que buscar estos caminos donde se sienta cómodo y asombrado de lo que va hacer y lo que pasaba era que la pintura no me asombraba mucho, me aburría hacer siempre el mismo proceso que es sentarse pintar y terminar cuando te aburres de hacerlo. Entonces es tener la pintura como un recurso, pero tener al video como otro recurso y ver que otros subproductos salen del chancho y vas haciendo un salame. Y eso me facilita circular también, por ejemplo voy a Perú y llevo un archivo digital, no tengo por qué llevar una pintura. Y ploteo allá. Puedo ir a cualquier otro lugar, llevo un archivo digital y proyecto y si puedo pinto. La diversidad del arte hoy en día posibilita la transdiciplinareidad de los lenguajes que puedes usar. El artista debe tener la capacidad de pensar ¿que tengo en mi casa para poder circular?. Y eso lo da el tiempo. También tienes que tener una cierta construcción de obras que te permitan circular no solo a través de la pintura sino también de otros soportes, de proyectos. Y el formato digital es cómodo en ese sentido. Ese modo de ser flexible en los lenguajes es interesante. El dialogar, el asociarse con otros artistas también es interesante para hacer desplazamientos grupales. Ver como se puede hacer visible tu obra, no mirarse el ombligo eternamente. Tratar de salir de estos espacios locales porque en el espacio local expones una vez y ya no quieres exponer dos veces. También el artista no está obligado a exponer todo el rato, pero sí esta obligado a ser constante en su proceso creativo. Por ejemplo ahora estamos exponiendo videos en el cine arte normandie y se hace interesante ver cómo funciona la obra en el cine. Expusimos en nuevo circuito asociativo con proyecto de sabanas donde circulamos por toda Latinoamérica. En un proyecto de formato digital fuimos a Perú. Y surgen nuevas posibilidades nuevos caminos para hacer diverso lo que es ser artista hoy día. Y la pintura sí, la pintura siempre porque la pintura es el origen, la pintura en el sentido romántico, pero como le damos una vuelta a ese trabajo y la tratamos de conectar con otros lenguajes, como posibilitamos ser pintor sin ser pintor, solamente con la emoción de saber que la pintura se puede lograr. Yo creo buscar el asombro. Para mi es fome repetir una pintura, que te ubiquen por un cierto tipo de obra eternamente y te digan ese es un tanto. De repente hay que buscar que no te ubiquen. A veces es difícil, pero tratar de dejar la duda de quién hace el trabajo, eso es más entretenido a que alguien te diga ¡ah, ese es un tanto!

La exposición Chile pin-up, cuerpo chileno pos-dictadura parece tratar descarnadamente y sin compasión temáticas veladas o encubiertas tanto por la dictadura como por los gobiernos de la concertación ¿como haces encajar el discurso critico y violento que hay en la muestra, exponiéndola en el CNCA que viene a ser la casa de la cultura institucional del estado?

Bueno, la obra chile pin-up no es una obra pensada desde un principio para ser expuesta en ese lugar. Fue una obra que se fue generando con la acumulación de ideas y procesos de ejercicio de arte. Partiendo de la pintura como referente y del registro de ese proceso pictórico que era llevado a otros medios-soportes que posibilitan el movimiento, como son las nuevas herramientas tecnológicas donde tú puedes filmar como pintas, pero también puedes utilizar eso en ficción que genera una nueva obra . Entonces fue surgiendo un dialogo entre las tecnologías y la pintura que fue originando obras que no eran solamente pictóricas sino que también abarcaban el mundo del video, el mundo de la animación a través del stopmotion, de la fotografía, del registro, del escáner. De cualquier posibilidad. Entonces entendiendo esa lógica del proceso de obra, se fue construyendo este proyecto que era chile pin- up, pero era como escusa no más. Eso si una excusa que estaba guardada porque toda mi obra anterior tenia que ver con el tiempo duro de la dictadura, un tiempo que era complejo y que generaba como puestas en escena de ese terror o de esa demencia que estaba implícita y al mismo tiempo estaba en carne viva en el hombre y en sus circunstancias objetuales, que le iban rompiendo el cuerpo y cosas por el estilo. Ahí la imagen pasaba a registrar ese momento preciso donde la demencia ya sucumbe en el interior del hombre y genera un grito, una expresión. Y la pastosidad de mi pintura tenia que ver con ese cuento. Entonces al liberar esa unicidad de la pintura hacia el formato digital el discurso se alarga y surgen muchas posibilidades al ir sumando estos nuevos leguajes a ese proceso. Y ahí surge chile pin-up que es una excusa a ese proceso; de que el artista si tiene que contar lo que vive y si no se puede contar en forma más concreta en el tiempo real, desde la distancia también aparecen nuevos elementos para esa construcción que pueden ser interesantes de plasmar. Esa era mi intención no más, dejar ahí bien claro que la vivencia es parte de nuestra historia y que esta historia está alterada a través de la violencia y que el artista tiene que develar esos procesos que están ocultos, porque la democracia tampoco llegó como un cambio radical sino que fue camuflada, encubierta. Entonces hay que abrir un poco la cortina ver que eso es así y que es contingente todavía.

¿Qué te parece como se mueve el discurso institucional del estado con respecto al arte, lo que pasa con el FONDART y en general con las políticas culturales que ofrece el estado?

Se mueve como la política no más, en relación a ciertas vinculaciones, y no hace una mirada hacia la realidad concreta sino más bien desde el punto de vista de las personas que están circulando dentro de esa mirada interna. Pero en cierta medida sí permite que los artistas vayan cambiando su forma de trabajar y que piensen en la obra ya no solo como proceso de construcción sino también como proceso de proyectos, que tienen que ir generando ciertas competencias que el artista tiene que tener hoy día. El artista tiene que saber decir las cosas a través de la técnica del arte y también saber como decirlas para que otro te entienda y así generar recursos para que tú puedas hacer factible eso que quieres decir .Y esos ejercicios son interesantes. Y esos son los FONDART y son los proyectos. Antes del FONDART el artista se validaba solo por concursos que igual venia a ser el mismo ejercicio; opiniones de personas con una mirada determina y una experticia domestica no más, que no es la verdad absoluta.

A mi me ha tocado jurar en proyectos donde hay una cierta matriz de lectura de proyectos en relación a dineros, a actividades, a diagnostico y eso obliga al artista a hacer diagnostico y a ser claro con los objetivos que busca con el proyecto, tiene que hacer la labor de diseño, tiene que gastar dinero también dentro de la producción para hacer creíble ese cuento y que sea aceptado. Ya no es porque eres buen pintor no más, o buen artista o mal artista, además tienes que tener estas muchas competencias para respaldarte. En el caso de mi formación no las tenía, y tuve que ir adquiriéndolas y el artista que no las tenga tiene que instalarlas porque hay que darse cuenta que el arte ha cambiado y que es de incertidumbre.

Por ejemplo hablando de pedagogía, si uno aplica la incertidumbre a la pedagogía se pueden crear más formas de ver la pedagogía desde el punto de vista de la acción del arte y no desde el punto de vista de la ciencia de la educación que también esta sesgada de los aportes que da el arte a la educación. O sea aquí el problema es que el arte es un campo de acción y la educación es otro campo de acción, y se pretende hacer vinculaciones y siempre estas vienen desde el mundo de la educación hacia el del arte y no a la inversa. El artista hace pocos intentos en aportar en las didácticas, en la pedagogía porque de repente la educación no se lo permite debido a que pasa por el campo de la teoría, de la ciencia, de lo seguro, de lo concreto y el arte pasa por el campo de la incertidumbre. Entonces es todo lo contrario. Y ¿como uno mete la incertidumbre en el área? cuando el artista hace docencia, por ahí parte. Por ejemplo si un artista tiene la capacidad de generar una obra concreta, el trasvasije de esa experiencia es interesante comparada con la reflexión de como el artista fue formado. O sea si tuvo una buena formación, perfecto, hace uso de esa experiencia que tuvo en el campo de la formación para transferirla. Si tuvo una mala formación la tarea es doble porque hay que reflexionar sobre la mala formación y agregarle las correcciones que cree interesante para formar a un nuevo artista o profesor de arte. Entonces ahí uno se da cuenta de que arte traspasa el solo campo de la creación y que es una labor profesional que puede desarrollarse en diversos ámbitos como el de la educación, el de la gestión, el de diseño de proyectos. Esa diversidad de competencias es la que hay que descubrir y ver cuales son las necesarias de enseñar. Yo creo que arte es complejo y la educación artística en este caso debe salir desde la experiencia, de la práctica del arte docente. Y los modelos tradicionales del arte hacerlos más contemporáneos, mezclarlos, trasvasijarlos, agregarle nuevos elementos y yo creo que la tecnología en la didáctica posibilita esas mezclas complejas de lenguaje y espacio. Ese nuevo espacio es el que hay que discutir, no si los profesores de arte tienen que pintar bien, eso es un proceso de distancia que está aparte de la formación del profesor. Al profesor hay que formarlo en la manera de pensar, porque esta habitando nuevos ambientes educacionales, nuevos ambientes espaciales que tienen que ver con lo digital que es lo contemporáneo.

Hace un par de años Eugenio Dittborn en una entrevista al Clinic decía que el único lugar donde realmente se enseña arte en Chile y donde un alumno salía preparado como artista era el pos grado de arte de la Universidad de Chile donde coincidentemente él hacia clases. ¿Que te parecen las palabras de Dittborn y cual es tu opinión con respecto a la calidad de la educación del arte tanto en las universidades como en las escuelas de bellas artes?

Me parece que Dittborn lo dice de buena fe. Y el cree que es así porque no hay experiencias que puedan hacer contrapeso a ese discurso. Yo creo que el rol social del artista pasa por la educación, el artista tiene que entender que el arte no es solamente pintar sino también generar reflexiones dentro de la persona que lee la obra. Y si el artista entra a la clase con la mentalidad de enseñar experticia técnica en relación a un lenguaje, debe buscar esa reflexión también dentro del alumno, entonces ahí se habla de identidad, de roles sociales se habla de política, de lo que sucede en el entorno donde influye no solamente el arte sino también la calidad de la educación que se esta implementando dentro de circuitos complejos o mínimos. Creo que la calidad de la educación pasa por la calidad de la educación de los profesores de arte también. Por ejemplo en esta facultad (facultad de arte upla) se valora el ser artista en su vestigio de obra y de circuito que validen la obra del artista más que en el ver como capacitamos a este profesor que es artista, y lo metemos dentro del mundo de la pedagogía para entender que la acción pedagógica es un proceso de enseñanza-aprendizaje en relación de trasvasije y de vaso vació. O sea yo no voy a llegar a hacer clases con un vaso lleno, como metáfora, porque que voy a creer que estoy completo que no entra nada más y me voy a estar negando a todo. Hay que entrar con la lógica del vaso vació así puedes ser empático con el proceso del estudiante y vas a llenar tu vaso con esa experiencia. Entonces la humildad y la empatía frente al hecho pedagógico son necesarias. Y acá lo que pasa es todo lo contrario. La autoridad elige al profesor en relación al tiempo experiencia, que valida también un conocimiento, pero que finalmente no busca ese sentido. El profesor llega acá pensando que él sabe todo y lo nuevo que entrega no es la reflexión de lo que él esta haciendo, sino como él percibe el mundo del arte en relación con su proceso personal. Entonces a eso apunta, humildad frente al hecho pedagógico, el arte didáctico esta incluido dentro de las tendencias contemporáneas del arte, o sea ya no solo voy hacer una obra para que sea observada y pensar que el arte por el arte no más tiene sustento, sino uno hace una obra pensando que el artista tiene un rol social, que puede pasar por el ámbito de la política, de la educación, el ámbito de lo social y así develar el tiempo que te toco vivir no más.

A principios de este semestre asumiste un nuevo cargo en la facultad de arte ¿como han sido estos primeros meses y cuales son tus expectativas a futuro en relación a las posibilidades con los estudiantes en cuanto a pedagogía y arte?

Bueno, el cargo no tiene nada que ver con el ámbito de la docencia ni con el de la creación. Tiene que ver con el ámbito de la administración académica en lo que es papeleo y administración no más. Es eso y demostrar que uno puede funcionar también dentro de ese ámbito. Pero igual es complejo. A mi me sirve porque yo estoy haciendo mi tesis y mi tesis habla de eso, de mejorar la calidad de la docencia en la formación de artistas a través de los modelos tradicionales, con las nuevas didácticas emergentes. Las didácticas emergentes tienen que ver con la acción pedagógica. Si el artista trata de contar una historia en relación a proceso técnico de configuración de una idea ya estas haciendo un trasvasije si se conecta con el trabajo que estas haciendo en tu espacio creativo de taller. Eso es interesante y se puede llegar a normalizar en torno a perfiles. Por ejemplo dentro de la facultad yo pretendo que los profesores sean comprometidos con la formación, pero que también sean investigadores dentro de ese proceso y hagan un trasvasije de esa experiencia al texto investigativo para que sirva en cierta medida de análisis estructural de algo. Acá yo creo que ese trabajo está pendiente, que hay una deuda de la facultad en el área del arte y la educación. Y hay que hacer esa comunión que no esta hecha. Acá es un espacio aislado donde de repente el un profesor no sabe lo que esta haciendo el otro en su taller o si están repitiendo los ramos, no hay comunicación, no hay dialogo, no hay estructuras normativas que determinen que el profesor tiene que cumplir ciertas funciones. Todas las funciones se pueden replantear y todos los perfiles se pueden estudiar y se pueden proponer. Sin desmerecer lo anterior, pero sí hay que hacer cambios reflexivos porque la educación ha cambiado porque el arte ha cambiado, la incertidumbre esta presente en el arte y si esta presente en el arte ¿por que no esta presente en la educación?. Y ¿por que no se hace luces del arte contemporáneo en los talleres tradicionales?, ¿porque no se utilizan nuevos lenguajes para contar la historia de la tradición, pero a través de nuevos soportes?. Eso tiene que ver con la capacidad creativa del artista que ejerce la docencia. Entonces aquí el tema no es separar arte de educación porque están mezclados, o sea si yo soy artista y no tengo la formación profesional de la pedagogía, pero ejerzo la acción pedagógica durante un tiempo, tengo algo que decir y ese algo, en relación a esa experiencia de enseñanza, podría terminar en un modelo de enseñanza adecuado para una instancia universitaria, que es una instancia mayor, más abierta, más reflexiva. Y esa deuda hay que saldarla.

Y asumiendo esa deuda ¿cuáles son las posibilidades de saldarla dando buenos pasos?. Como ejemplo hace un par de años artistas de lo que fue “Galería Playa ancha” organizaron un par de mesas redondas donde se hablaba de arte y pedagogía, pero la discontinuidad de esos procesos hace que el impacto no sea de mayor alcance.

Si, es que tiene que partir de a las instancias de poder. Tiene que partir de las comisiones curriculares, son ellas las que tienen que hablar del tema, convocar a los académicos en este caso y después a los alumnos y contar esa experiencia. Y de ahí se va de arriba hacia abajo o de abajo hacia arriba, que es más difícil porque se genera la intermitencia, porque no es el rol del alumno generar esas instancias. Es el rol de la institución generar las instancias de mejoramiento de la calidad. Porque ahora hay sistemas de acreditaciones que nos obligan a reflexionar sobre la auto evaluación, nosotros tenemos que auto evaluarnos y saber como esta nuestro proceso y entender como estamos insertos dentro de un contexto local nacional y después internacional y estar al día de lo que sucede, de lo que realmente es importante y no estar hablando de que tanto se enseña en un taller y que tanto no se enseña. Aquí importa que el profesor sepa ¿que esta haciendo? ¿ por que lo esta haciendo? y ¿como lo esta haciendo?. Esa es la tríada yo creo. Y esa labor, claro, no se si se pueda cumplir dentro de esta cosa que es administrativa. Pero es una experiencia que estoy viviendo ahora y que es por un tiempo y vamos a ver que pasa.

¿Cuál es la relación de tu trabajo de profesor universitario y el de artista visual, creas algún vínculo entre ellas?

Yo me siento artista pedagogo. A mí me interesa mucho la acción de la pedagogía en relación con el proceso de obra. Hoy día todos tenemos muchas posibilidades de ocupar nuevos soportes, nuevas miradas, de hacer nuevas búsquedas .El arte contemporáneo te obliga a dejar cosas ya sabidas para buscar nuevas posibilidades de incertidumbre y eso me gusta. La pedagogía tiene esa posibilidad de conectar la realidad, la identidad, lo social en el alumno que ingresa, porque el profesor tiene que conocer su realidad para enfrentar también la realidad del aula y la realidad del aula no solo tiene que ver con como se ve la educación hoy en día, sino con como esa educación se inserta dentro de un contexto socio político. El como la política o los poderes fácticos piensan la educación alterándola o potenciándola. Todo eso es interesante, y el arte es transversal a todas esas lógicas.

Como el concepto de Benjamín de la pedagogía de la pobreza, que tiene que ver con el caminar por la tierra e ir saltando las vallas que vas encontrando, al contrario de la pedagogía de la riqueza que es viajar en avión e ir viendo desde la distancia que pasa abajo, como lo hace el arte por el arte. Está el discurso de Adorno también que dice que el arte tiene que ser social y no solo hablar de la belleza estética sino también de la realidad en el que está inserto. Como puede ser posible que en Vietnam estén matando gente y alguien este pintando una flor. Y eso en educación lleva pensar si capacitas a profesores para los colegios públicos o colegios privados o para colegios sectorizados, no se. Hagamos una pedagogía general a través del arte como una posibilidad de arte contemporáneo y de develar los procesos sociales o los procesos tecnológicos o el mundo de la unidad frente a este mundo de la globalidad, de la pos-modernidad que tiene que ver con el dinero y el capitalismo, con como enfrentamos esas falencias, como pensamos en forma creativa equiparar la educación a través de la enseñanza del arte, porque es la único campo que permite mezclar en forma experimental ciertas didácticas emergentes dentro la educación y el arte. Yo creo que ese tipo de arte pasa por entender la pedagogía como emergente, la pedagogía no tiene una claridad. Es ¿como yo hago una actividad para pasar un contenido de una manera interesante desde un puente de conexión, de unificación con la mirada del que está escuchando? ¿Cómo hacerla más lúdica, más reconocible más solidaria y más presente a las realidades particulares y no a generalidades que no existen? .Un profesor creativo es el que reflexiona sobre el hecho pedagógico para generar cambios o para repensar lo que está construido

¿Cual es la importancia que le atribuyes al uso de las nuevas tecnologías en el trabajo artístico y de educación, en el contexto de era de las comunicaciones, la información y el Internet?

Yo creo que la cultura de los medios es fundamental, en la nueva estructura social de las comunicaciones. De todas maneras hay que renovar todo lo tradicional desde la mirada de la emergencia de las tecnologías, porque eso es el mundo real, el mundo que vive el alumno.

Entonces no podemos separar el mundo de los medios porque hay que generar puentes de conexión concreta. Por ejemplo me toca hacer clases a mí en primer año de dibujo, yo no puedo llegar ahí a enseñar a dibujar porque eso es imposible. Yo no estoy capacitado para enseñar a dibujar ni a pintar a nadie, yo solamente les demuestro ciertas técnicas y procesos de configuración que yo reconozco, pero donde tengo que apuntar también es a la realidad más concreta que es la realidad que viven. En la pintura tu puedes usar la fotografía como herramienta de traspaso de la realidad, entonces ¿es necesario dibujar hoy en día? no, no es necesario porque puedes usar a la tecnología que posibilita el traspaso. Pero si es necesario dibujar para hacer la diferencia del que no lo hace y al revés también. Y es necesario hacer la diferencia porque también es una competencia hoy día. Manejar recursos tecnológicos y ciertas posibilidades de visibilidad son competencias nuevas que tienen que estar. Entones quien la usa tiene el conocimiento de la realidad hoy en día y de la importancia que tienen los medios y la tecnología dentro de la educación. Y el que no lo hace está desfasado, entonces hay que generar una capacitación para que pueda ocuparla y generar ese trasvasije, esos nuevos contenidos o espacios de comunicación y puente. Y no solamente eso porque la tecnología es un campo de acción. La tecnología es una herramienta para construir obra. Y eso está ahí y hay que usarlo y es de hoy día. Y es obligación porque el profesor o el artista que hace pedagogía no puede llegar a una clase y hacer tema libre, eso ya no existe, el todo tema tiene que tener una reflexión de cómo hacerlo y por que lo hago, los objetivos son claros. Hay que trabajar con claridad en el hacia adonde apunta esa responsabilidad de formar, que es una responsabilidad difícil. Al final lo que se lleva el alumno es la experiencia del profesor y también esa experiencia en conjunto que se puede elaborar y reflexionar por algo.

¿Quiénes han sido tus mejores maestros?

Yo me considero autodidacta por el hecho de la pintura, entre a la universidad ya con una idea. Y mis maestros han sido los que me han influenciado; de la pintura chilena Juan Francisco González, después un renacentista como Miguel Ángel en relación a la anatomía del cuerpo, el neo expresionismo alemán, cualquier nueva obra que me emocione, Joseph Beuys en su lógica de que todo hombre es un artista, el arte social, el arte político en relación a su contingencia y necesidad propia de tener que hacerse ver entre los demás contextos políticos que te rodean. Yo creo que el maestro del artista es el entorno. El entorno es el que va condicionando las posibilidades de cada uno y hay que aprender de eso. En arte ya no hay nada nuevo, lo distinto parte en como uno mezcla lo que esta hecho y en la estructura del fragmento. Hoy estando diluidas las fronteras, el artista puede sacar trozos de distintos lenguajes y articularlos para un bien. Eso ya es una competencia, el como yo puedo del fragmento sacar las piezas necesarias para armar mi discurso y que se note nuevo, sin ser nuevo. Y lo nuevo pasa por lo local, lo cercano. El arte es una forma de vida. Por ejemplo hoy día como pescado y ese mismo pescado lo filmo y lo utilizo como una pintura y también como un recurso retórico. Así se puede ir reflexionando sobre eso.

¿Cómo crees que se articula el rol del artista en relación con su entorno o su realidad más cercana y cómo influye éste en la labor creativa?

El rol social, el rol de la educación del arte, el rol del arte en sí, en su proceso más personal de construcción de discurso todo eso tiene que estar en relación con el entorno .Yo antes de hacer clase acá, donde ya llevo doce años haciendo clases, no estaba ni ahí. Estaba haciendo mi obra y pensando que la validación se refería al circuito comercial, porque era la necesidad cotidiana, mi entono me decía que tenía que comer, mantenerme y funcionaba en relación de algo. Y al llegar a un nuevo entorno que era el de la universidad, te cuestionas. Ya no te validas solo por el hecho de la pintura, tienes que validarte también al articular una cierta reflexión sobre la pintura, darte cuenta del condicionamiento que genera el entorno en relación de lo social y las funciones que cumples. Y todo eso va transformando el discurso hacia labores o responsabilidades que sí estás asumiendo, porque el hecho de hacer clases en una universidad no es porque eres buen artista, sino porque tienes la capacidad técnica para algo, pero también es un proceso de continua elaboración. El que viene a hacer clases, viene a aprender más que a enseñar. Yo creo que esa es la lógica, aprender del dialogo, de la reflexión, de lo nuevo, de lo que puede ser.

Hace unas semanas se inauguro en la facultad el proyecto museo de emergencia que viene a responder a una necesidad contingente pos-terremoto. ¿Cuales fueron los motivos que llevaron a la construcción de la obra y cual es el rol que juega el artista en momentos como estos?

Mi interés es unificar la labor del artista con la labor docente y también la labor de proyecto de obra y circulación. A mi me interesa circular con obras que sean flexibles, que se puedan armar en cualquier espacio. Y surge la idea por haber vivido la emergencia en el sentido terremoto, pero también tiene que ver con la emergencia en una facultad de arte, la emergencia como posibilidad del artista real. Que emerja, que salga de la invisibilidad y se haga visible. Por eso no es una obra que tiene que ver con la contingencia de los sismos solamente sino también con la contingencia del artista que tiene que emerger y buscar sus espacios de autonomía y movilidad propia para poder existir. Museo de emergencia es un discurso frente al alumno de primer año, que crean que cualquier elemento que se construya como tal y se piense desde el imaginarse instituciones que no funcionan, se pueden hacer funcionar desde el imaginario personal. Y también es la posibilidad de circular con esa obra hacer registro de ella, ampliarla, ponerla en cualquier lugar de exhibición que puede ser desde un cerro, hasta el interior de una galería. Ese es el sentido. Y más en esta facultad de arte que yo creo que sí está en emergencia y no me se refiero solo a construir la institucionalidad para el siglo XXI sino también que hay miles de personas, miles de alumnos que están emergiendo dentro de esta institución para ser artistas. Entonces que entiendan que el arte no emerge de acá, o sea de acá no sales artista. Van a salir formados dentro del ámbito de la cultura en relación a ciertos conocimientos, pero el artista tiene que emerger dentro de su propia necesidad de ser artista. Eso es, el artista tiene que cumplir un rol, pero primero tiene que no mentirse el mismo y darse cuenta que tiene que emerger de cierta manera y eso depende de el mismo, porque aprender a pintar depende de la practica que haga cada persona en relación a ese proceso y no tiene que ver con la motivación externa.

Por Hernán Mañao- ilustración: Manuel Dongo

Flores de Fuego

2011-06-13T15:43:00.000-07:00

¿Para qué quieres perdurar?

Bano

"Amo las Flores", así se titula una de las canciones del primer disco del productor, MC y DJ, Dave Bee!, Comunicología Vol 1 (1997). Aquí, Bano hace su primera aparición mostrándose como una anomalía, una gran ironía y un perfecto outsider dentro de lo que fuera el rap español de aquellos años. “En cualquier caso amar a una flor es tan masculino como los dolores de próstata”, nos aclara Bano en un tono bertoniano si se quiere, con una voz suave y un temple tibetano que por momentos nos coloca en la duda de si nos estará tomando el pelo. Pero no. O tal vez si. No obstante, la importancia reside en el sutil gesto que Bano nos regala con este antecedente: Bano ridiculiza el machismo imperante en el género, donde no hay lugar para las debilidades del alma y donde campean el falocentrismo exacerbado -expresado en los cadillacs saltando-, las crew`s hurañas rodeando un tarro en llamas y las mujeres solo visibles a través de la fantasía de la bitch.

Un año después de esta colaboración vendría "El hombre que Cambiaba Pts x Flores", maxi donde reafirma su poética, está vez sobre los ritmos de Dive Dibosso y el apañe de Mucho Muchacho(los dos de 7 Notas 7 Colores), quien refunfuña casi a modo de skit en uno de los dos tracks. Después de esto no volveríamos a saber de Bano por más de diez años. Hasta ahora. O para ser más exacto, hasta hace dos años atrás, cuando nos sorprende rompiendo el silencio con un álbum llamado "Prometeo" (2009). Antes de esto solo rumores de pasillo y algunas apariciones fantasmales.

Prometeo es un disco arriesgado, bien pensado y muy barroco: Bano hila un relato en torno a la figura estoica de Prometeo- y el fuego, claro está-, extrayendo de este un semblante chick y épico que imprime en su lenguaje (Prometeo y Cuarzo), lo que en algunos momentos se torna un poco cansador, pero en otros encuentra salidas que lo dirigen a lo brutal, lo escatológico (La Peste) y lo absurdo. Críptico e inquietante en su totalidad, el primer LP de Bano dista un poco de lo que el público que alguna vez lo escuchó esperaba de él, ahora mucho más complejo, a momentos hermético y en otros muy explícito, encara al mundo con su voz inconfundible hablando de lo divino (Fe) y lo profano (Lameculos), siempre utilizando analogías proféticas y apocalípticas (Se Acerca el Día y Latas) mientras no pierde esa intención lúdica del rap mas imaginativo (Agitación y Lacteo). También hay lugar para la crítica social (Pedro, El Descabezado y El hombre) pero, pensándolo bien, esta definición se queda corta ya que Bano elude los lugares comunes en los que los grupos “políticos” caen usualmente. El nihilismo y la esperanza se mezclan a la perfección en algunos pasajes (Relikia) y en otros el humor y la fatalidad. Bano utiliza la rima libre o la no rima. Bano declama. Bano grita. Bano susurra. Bano no tiene escuela. También se pone a cargo de los ritmos, los que en algunos momentos nos recordarán la simpleza de sampler bien ubicado a lo MF DOOM y la atmósfera más vanguardista y psicodélica, cercano a EL-P.

Este disco se traduce en un espacio intermedio de lo que lógicamente debería venir, ya que claramente no es una obra definitiva, pero si un interesante antecedente de maduración de este artista periférico. Y como todo prometeo en un mundillo repleto de águilas carroñeras, tendrá que saber cuidar sus vísceras.

Por Marcelo Gomez

Enlace de descarga: http://www.megaupload.com/?d=NOATT77G

Una vuelta por la ultima Furia del Libro y una pregunta a las editoriales presentes.

2011-06-10T05:54:00.000-07:00

Primera temporada del gran Podcast "Nos gobierna una derecha"

2011-01-08T16:42:00.000-08:00

En este primer capitulo pagamos el noviciado hablando de la poetica de Piñera, del supuesto final del realiti minero “Los 33″ y de la muerte de Fogwill y de guillermo blanco.Tambien convocamos el espiritu de “Santa Kel” y su ultimo hit “me creo candidata”.

En este segundo capitulo nos tiramos unas lineas hablando de Miguel Piñera A.K.A “goodfellas”, de la vuelta en forma de zombie de Jaime Guzman, de los superperros porteños y rematamos con el premio de isabel allende y el “Fellatio” de Skarmeta a Lavin.

Luego de la rasaca bicentaria nos cuadramos ante la mortaja patria despotricando contra el desfile politico-televisivo en el marco de una mesa de dialogo junto a tomas mulan, Los Topins, Jimmy Fernandez, Jorge Baradit; observados atentamente por la cabeza de Piñera empalada en la cumbre del cerro Huelen.

Alzamos las copas por nuestro cuarto capitulo y lo coronamos con un saludo de Jorge Olguin; vislumbramos un posible golpe de estado en Ecuador perpetrado por policías zombies; nos burlamos de la derecha y de sus “payasadas” luego de la no extradición de Apablaza; depositamos la chilenidad de Tom Araya de Slayer y del chancho Juanito en la capsula bicentenario, ademas de proponerle a Mike Pattom hacer cumbia villera.Buen viaje.

Seguimos multiplicando capítulos mientras la fénix II pasa a mejor vida; postulamos al minero adicto a la pipa y a Super Mario como rostros de Pelotón y Primer Plano; especulamos la dirección de “Los 33” en versiones de Darío Argento, los hermanos Cohen, Cronenberg, James Cameron, Michael Moore, entre otros; y sugerimos a Alejandro Tapia para el premio Nobel de literatura. También recomendamos lecturas retorcidas y nos reímos como nunca. Los reclamos a la FIFA.

En nuestro mejor capítulo nos sumamos al trencito de la Farkas Party, donde exigimos el cambio del Fondart por un Farkart, además de un milloncito o un heladito York; bautizamos a la Nueva Farándula Chilena liderada por Los 33, el Zafrada y la Bandera del Tusunami; analizamos hermeneuticamente el Stand Up Comedy de Piñera en Europa; abordamos la nueva entretención de la moneda: La Fenixsilandia; postulamos a Golborne para el Copihue de Oro; reventamos los globos de los cumpleaños del Papurri y de la Vip Golden Kenita; y cerramos el boliche zampándonos la mejor chorrillana porteña mientras hablamos de cómics. Provecho.

En una regada emisión, continuamos sacando los trapitos al sol de Piñera y el tercer Reich; analizamos los coletazos de la muerte de Néstor Kirchner y la viudez de Cristina; resquebrajamos el cerco informativo alzándonos junto a los trabajadores en huelga de farmacias ahumada; llenamos el carrito del súper con chicotas y católicas; y rezamos a santa Maradona para que Segovia pierda (por bocover) las elecciones de la ANFP. Además, estrenamos nuestro primer invitado NN. Habemus Podcast.

En nuestro peor capitulo, madrugamos practicando magia negra Budu y pedimos que las supuestas pruebas de intervencionismo en contra de Piñera sean ciertas; mandamos “a lavar” al gobierno de Colombia y su petición de extradición de Olate; Denunciamos la charchedad del FORUM y anunciamos “Apocalipsis Cultural Now o Foro de la Inkultura”, el real foro participativo que se viene en Valpo; También hablamos de perritos y de su tenencia responsable y sufrimos de nauseas al recordar la Teletón.Es lo que hay.

* Proximamente capitulos prohibidos.

2011-01-08T16:10:00.000-08:00

PRIMER NUMERO DE LA REVISTA TATUCERAS EDITADO EN AGOSTO DEL 2009

a+b+c+d=360º o Valparisismo geo-métrico

Valparisismo geo-métrico es el terreno imaginario desde donde escribe el poeta vendetta fútbol club. Es ahí donde fragua su retórica calórica mal nutrida. Desesperado por el roce cosmopolita, estampa chilian poetry sobre la artesanía manual de un librejo enchulado con gotitas de tempera. Otro desesperado intento por simular algo que no es: sútil. En esta atmósfera adquiere un tono triste y grave, que al traspasar el micrófono abollado, de un sucucho cualquiera (el bar poético de turno), suena con aire, agudo y huachaca. El parlante carraspea. El vino barato lo llama hasta las kermeses de liceo y como es lo que sabe hacer, lee, recita, declama. Se gana su fama. Conoce minas(os) ricas(os). Incluso pololea. Sube sus poemas a Internet. Tiene Blog, My space y Fotolog. Lo postean. Escribe; nadie sabe cuando pero lo hace. Y cita a los grandes; mal, pero lo hace. Todo esto sumido en el profundo y tapiado valparisismo geo-métrico que escalarea y empina cada vez mas sus textos haciendo que las letras caigan oblicuas. En ocasiones es surrealista. Pocas veces termina un poema y todos los días comienza un libro. Títulos le sobran. Le gusta Jodorowsky y Gotan Project. Kusturika y Pizarnik. Teillier y Bersuit. También el drum & bass. Mi hermana mayor diría, es taquilla ese cabro. Se muere por ser algo parecido a los escritores suicidas. Se le pasa por la cabeza ponerse el terno de palo. Es sensible socialmente, pero no se moja el potito. Se conmueve. Llora. Tiene proyectos y un editor. Y un sobretodo negro. Antóloga. Asiste a inauguraciones descontroladamente. Se come todos los canapés y los quesitos sin dejar ni uno En este punto su polola(o) ya se ha hecho poeta (isa). Se retiran de la U esgrimiendo falta de dinero. Beben día por medio. Comen harto papapleto. Engordan. Y fuman paragua. Son vegetarianos. Pululan Cuming compulsivamente. Rayan los baños con su filosofía de WC. Alguien les dice fomes, cuadrados. Ellos responden, ¿a+b+c+d=360º? Curados son peligrosos. Cuidado, están armados de huevos crudos y bototos.

Por Marcelo Gómez

Chespirito Gore

Existe un capítulo de Chespirito que me parece notable. Uno donde la distintiva jocosidad de sus programas logra consentir un acto repleto de desorbitada crueldad. Además de bosquejar una cruenta poética que se distiende en todos sus programas. Es uno de los episodios de Los Chifladitos. Ese sitcom donde un par de esquizofrénicos- interpretados por Roberto Gómez-Bolaño y Rubén Aguirre- emitían un irreverente diálogo que desplegaba irreverentes situaciones y que, por lo general, sacaba de quicio a un tercer personaje.
El capítulo, al que me refiero, bien pudiera constituirse como un cortometraje gore. Una producción fílmica barata y destartalada en la que la sangre pareciera ser, a ratos, la única protagonista. Pero en Chespirito no hay sangre. Ni ketchup. Sí un suceso torcido y encarnizado aunque anémico. Limpio. Sin ningún derramamiento exagerado de chocolate para un acto que lo exigía: la brutal extracción de la totalidad de las piezas dentales que ejercen los Chifladitos sobre un inerte Edgar Vivar.
La historia posee un humor dislocado que hace reír con dolencia. En ella Lucas alecciona a Chaparrón en odontología. A ellos llega un Vivar aquejado por un dolor de muelas. Luego de un discutido diagnóstico- que se desarrolla en una incoherente plática en donde se intercala la oración “Estás en lo cierto” de vez en cuando- deciden extirpar la pieza dañada. Chaparrón efectúa la extracción a forma de prueba y falla en el proceso: ha omitido anestesiar al paciente. Lucas ofrece una nueva oportunidad apuntando el procedimiento correcto. Bonaparte intenta anestesiarlo pero surge un problema. No puede introducir la aguja de la jeringa en la muela porque está dura. Lucas aconseja perforarla. La muela es taladrada. Chaparrón penetra con la aguja el orificio molar hasta la cavidad pulpar destrozando nervios y vasos sanguíneos. Extrae una segunda muela. Esta vez, según Lucas, el método es el adecuado aunque el estilo es erróneo. Enseña la posición apropiada que se debe adoptar. Saca una tercera muela. Chaparrón lo imita y extirpa una cuarta muela. Lucas recuerda un modo en el que no se debe ejercer demasiada fuerza para retirar piezas dentales. Saca un diente. Chaparrón improvisa una incómoda postura para arrancar otro diente. Así, hasta dejar a Vivar- que a estas alturas es un espectral paciente modelo- unidentado. Por supuesto, la única pieza que se ha salvado es la cariada.
Un posible título pudiera ser “Matarifes Dentales”, “Dentistas Catatónicos” u “Ortodoncia sin Anestesia”. Sin embargo, Chespirito se ahorra el epíteto. Como evita la sangre y los gritos de espanto. Todo para encubrirnos el horror. O para convertirlo en carcajadas. O para reírnos del suplicio con licencia. Y lo logra. Porque Chespirito es eso: un bloopers de la tortura. Ejemplos hay de sobra. Niños de 10 años sosteniendo en sus manos ollas hirviendo. Una vecindad completa- incluidos el albacea de las propiedades y su hijo- chamuscándose con electricidad. Rateros incriminando a niños. Los mismos niños ingiriendo lagartijas y cucarachas vivas o siendo golpeados sin piedad por un ¿?. Chespirito es un desequilibrado con garrotera que exhibe de todo. Pero a la vez es un retorcido con ética que anula el morbo. Suprime los gritos de angustia. En vez de eso consagra expresiones como chanfle o churinchurinfunflai. Mitiga el dolor con ridículas formas de llanto. Convierte el padecimiento en broma.
Chespirito, de alguna u otra forma, siempre estuvo en lo cierto.

Por Alejandro Tapia

EL ATAQUE DE LOS HALCONES

Hace dos días me prestaron el “Ciudadano” del 09 de 2007. La crónica se titulaba “El Ataque de los Halcones”. Ayer le conté la idea a M.M. Le mostré las fotocopias que había sacado y conversamos sobre las historias que rondaban los hechos concretos. Me da un nombre que anoto en las fotocopias y me dice que podría contactarlo.

Tomamos unas pilsokas en el “Medalla de oro”. Un restorán-bar con mozos de humita y ancianos jugadores de dominó. El lugar olía a patrimonio. Hablamos de Allende, de Pinochet, del golpe, del GAP, de los que murieron por no estar blindados, de los que murieron por inocentes, los que murieron por futbolistas o por boxeadores. Caminamos a la plaza Aníbal Pinto a encontrarnos con C. Después caminamos los cuatro: M.M, Francisca, C, y yo a la plaza Echaurren y de la Echaurren hacia arriba a una especie de sótano literario lleno de fetiches (en la entrada: maniquíes desnudos -quiénes serán esta vez los ebrios, me pregunto mientras prendo un cigarro- y pintados. Dentro: guantes de box, mascarilla antigases, una foto enmarcada de Silvia Plath, esto lo sé porque en el pie de la foto lo decía, otra de Baudelaire joven, una foto de la novia de Bertoni-de las que el propio Bertoni le sacaba en añejos sillones-, una repisa al lado de la entrada: $500 c/vino, otra dentro junto a 4 o 5 mesas circulares las que daban al lugar un aire de café. Al lado de la segunda repisa había un sillón para 3 personas que pasa siempre ocupado. En cada repisa se amontonaban revistas literarias, de ciencias y libros escolares, diarios y pasquines y textos encuadernados difíciles de identificar). El improvisado café estaba al costado de la estación superior del cerro cordillera. Un foco puesto en la entrada hacia el interior encandilaba a gran parte de los que veían y escuchaban las lecturas y a los que salían buscando refugio del denso calor y el humo de los cigarros. El lugar estaba dividido en dos pequeñas piezas. El techo bajo-unos dos metros-, junto con la que creo inesperada cantidad de personas entre 25 y 30, contribuían al agobiante sopor del ambiente. La invitación decía: 4 jueves octubre 21:00 hrs/evento a beneficio para la publicación de: Antología de poetas inéditos de Valparaíso. Un evento de caridad editorial para poetas, pienso ahora.
Imágenes : Dentro 1) x.r. como viniendo del polo norte leyendo un poema, largo poema en el que hablaba de un personaje que vio en la casa de Miguel Serrano y luego en una micro donde se miraban hasta que el personaje le preguntaba el nombre. Respondo al nombre de x.r, decía ella moviendo la cabeza en señal de afirmación y seguía leyendo. 2) g.r. leyendo otro largo poema o fragmentos de uno. Fragmentos de un libro divido en fragmentos. Una conversación de compadres vecinos o parientes. Poesía civil de la escasa en medio del calor nocturno y el humo de los cigarros.3) F hablando sobre Ana Bolena y diciendo a H, casi al oído, que quería ser una poeta maldita .4) H hablando de la lectura de m.p. en un café concert de la toma upla y del enojo y la interrupcion del Marcelo por lo que llamó la “dictadura de las guitarras” 6) m.p. interpretando temas de Silvio bajo el susurro despechado de C 7) M parado en la entrada repitiendo hacia fuera lo que se decía o leía dentro. Fuera 1) C y F fumando mientras un borracho se disculpa por estar meando cerca de donde conversan 2) C y H hablando de los objetos del lugar y de los fetiches literarios mientras M comienza un posible texto diciendo "Tengo libros que nunca leeré".3) H riendo con F ante la posibilidad de llevarse un maniquí. 3) C con los brazos escritos con números telefónicos preguntando cómo se los quitaría.

TE LO DIGO MI BROTHER, TE LO DIGO QUE SI

Viajamos hasta Villa Alemana para reunirnos con el poeta Charles Berner, A.K.A el Cali, quien en una regada conversación nos relató extractos de su delirante vida. El autodenominado Beatnick Wanderino arremete contra la poseía porteña. Bienvenidos al primer capitulo del rescate de la poesía etílica y sus próceres.

Nacimiento de un Pájaro

Tatuceras: ¿Cuándo empezaste a escribir poesía?

Cali: En el vientre de mi madre. No, yo antes escribía cartas hueón. Era epistolar. Escribía unas cartas así como de dos kilómetros y le mandaba a los amigos de Alemania pa` Chile. Y eran como poéticas a lo mejor po`.

T: Se te metió el bichito ahí.

C: Claro, se me metieron las gaviotas. No, no, se me metió la huea de la gente hueón, la televisión, oh unas hueas estúpidas que escribía; “mi patria esta atrapada por una red, por una red de televisión.”. Pero la huea se fue desarrollando y están todos atrapados, en todas las casas están viendo televisión.

T: Sí, en todas y unas noticias que te desinforman más que la chucha.

C: Eso es desinformación justamente. Otra cosa es estar aquí mirando los pájaros. Esto que estamos haciendo acá se llama calidad de vida. Puede ser un día lunes, puede ser cualquier día, martes. Estamos acá de repente vemos unas codornices por allá, estábamos debajo de un olivo… veí los colibrí… una bandada de tordos…Mira veí, habemos cuatro personas acá. No, ampliémonos más: veinte leguas a la redonda. ¿Dime a parte de nosotros - quizás haya alguien que este pegando hachazos , diez personas pongamole...a la redonda. Los demás están todos viendo televisión, todos están viendo esa mierda. Oye hueón, ayer estaban dando un comercial de Aqua Fresh no sé que huea. Ah, yo creí en el reclame y después en el siguiente reclame de repente ¡Snikers! Me llegaron a doler los dientes. Una huea incongruente cachay. Ah conchesumare, te dicen coma esto y la huea es la que te caga los dientes. Y así, toda la gente esta viviendo eso. Mientras nosotros nos alcoholizamos al aire libre bajo el cielo azulado de la patria.

T: Pero me dejaste ahí mismo ¿Cuándo empezaste a escribir poesía?

C: Epistolarmente primero. No sé, fue tan ridículo todo. El 79 en Alemania y de ahí una huea tan absurda…el viento de las conciencias de las personas y la red de tv: puras hueas. Así empecé a anotar en mi agenda puras estupideces.

T: ¿Leías Cali?

C: Nunca he aprendido a leer. Si, si leí en Alemania todos los libros. Leí El Otoño Del Patriarca de García Márquez y leí a Hermann Hesse. El primer libro que leí fue Colmillo Blanco de Jack London , me lo regalaron cuando tenia como siete años, y me gustó. Yo tenía lentes cuando niño entonces eso te transporta a un mundo de aventuras.

Meteorología Poética

T: ¿Hace cuánto no vas a Valpo Cali?

C: Hace como dos semanas fui. Voy y Vuelvo. Y ahora un amigo me estaba invitando, pero ven…

T: ¿Cómo vez el panorama poético porteño?

C: Está nublado.

T: Desde que Cali salió de la escena del sabotaje, parece que han podido trabajar bien la gente ahí en sus declamaciones.

C: Claro, posiblemente, sin que nadie les arremeta.

T: ¿Cuántas veces te metiste en esos sabotajes poéticos?

C: Nunca. Ese culiao de Zurita iba a declamar dentro de la jaula de los monos en el zoológico de Santiago. Y yo conchesumadre (revisándose los bolsillos) y yo no tenia plata. Justo ese día no tenía nada de plata. Yo quería comprarme un metro de cadena hueón y ponerle un candado y dejarlo encerrado adentro. Andaba con Carlos Decap, un poeta de allá de Santiago. Ha escrito dos libros, Corrector de Estilo se llama uno…

T: ¿Y los poetas de Valpo?

C: Primeramente, Juan Cameron, el encerémos. Ese culiao, un dia fue a Santiago y estaba tomando en un local de la Alameda después de Santa Rosa, al frente de la Biblioteca Nacional. Ahí había un paco curao y los culiaos le robaron la pistola, la gorra, algo al paco. Y ahí estaba el Juan Cameron no sé porque huea, de porteño culiao, y quedo la caga. Al único que identificaron fue a un hueón colorín, cachay, entonces al hueón como que lo tomaron y ahí se fue. Le echaron la culpa de una huea de curao y se fue exiliado a Suecia. Allá el hueón trabajaba en el metro encerando los pisos y ahí cantaba “enceremos, enceremos” y ahora se las da de que es profesor universitario, puras huevas y le hacía poesía a…igual que Zurita , bueno Zurita se la hacia a Lagos, este hueón se la hacia al intendente, al alcalde de Valparaíso, más mediocre y se las da ahora de academicista “porque según la academia esto, esto y esto otro”. Es un chanta ese tipo. Ese es Juan Cameron, po´ amigo. ¡Te lo digo mi brother, te lo digo que si¡

T: Igual tiene su sequito

C: Debe tenerlo, además con la política y toda la huea debe tener su power po weon.

T: ¿Es de la suciedad de escritores?

C: Cualquiera puede ser de la sociedad de escritores, tu teni que ir ahí y ponerte a la fila y ahí esto y esto otro. Tení que empezar a chuparle el pico a Juan Cameron primero, por ejemplo, porque él es el guaripola de los chupa pico y toda la huea. Y el Moro, el Moro es ridículo, ridículo Moro. Bueno por lo menos se ponía un frac. El hueón siempre andaba con un poncho y zapatillas. El Canto Nuevo ya estaba más pasa´o que la chucha. Los culiao estaban ahí, y se les notaba que eran pseudos izquierda y con poncho los culiaos así. Y Gregorio paredes con un poncho y una boina como esos marihuaneros que se les nota. Era como pa ponerle un papelillo y fumárselo. Puros hueoones ridículos po` hueón. Paredes dice que es anarquista. “No, es que mi papá era marxista, yo soy anarquista”, “mira amigo mío, yo vivo mucho”, “yo soy gourmet”. Tiene seiscientos de colesterol el culiao. Puros hueones obsoletos, patéticos yo soy un hueón joven amigo mío. Una vez me llamó el Moro, me dijo Cali te crees turista. Yo le dije, por supuesto soy un turista eterno porque andaba con la misma pinta que andaba en Bolivia, cuando estuvimos juntos allá po´. Pero claro si lo mejor es sentirse turista toda la vida po hueón o sea no es mala opción digamos ser turista.

T: ¿Como exiliado eterno también?

Exilio, los negros y Haile Selasie I

C: Yo no quise ser exiliado pero existieron po´. Mira, a mi padre lo tomaron preso como el dieciocho de septiembre del 73. Y hasta que al final lo pudieron sacar. Una costilla se la quebraron dos veces, como que una se le quebró un poco. Se la quebraron de nuevo, le quebraron la clavícula hueón, le quemaron el culo hueón. Ta´ toda la caga. Salió con vida. Y los alemanes hueón. Mi padre era alemán, sacaron a todos los alemanes ahí hueón del colegio alemán. Los alemanes eran de izquierda en ese tiempo, no eran fachos digamos, el cónsul era facho …y como sacarlo y toda la huea, hasta que al final encontraron papeles hueón , una libreta de trabajo de mi papa del tiempo !Del tiempo po wn! Entonces la huea así tenia el escudo nazi po hueón, de ese tiempo. El hueón pidiendo papeles y cuando ve ¡Oh esto si que son papeles! Y ahí el culiao se movió recién, cuando vio esa huea. Y con todo los otros alemanes, los sacaron, y al tiro. Y justo me tomaron preso a mí.

T: ¿Y cuánto estuviste preso?

C: Una semana y todo. Preguntaban puras hueas. Me preguntaban por Altamirano…puras estupideces, esos hueones no tenían que preguntar. Y vi tanta huea de hueones que los llevaban porque eran españoles, por esto, por esto otro. Entonces cuando salgo de ahí yo ya tenia toda la huea así como hecha; que se vayan todos los hueones, yo me quedo acá , de aquí yo me voy a Estados Unidos donde mi abuela . Porque yo era jipi. Después, allá me compro un auto, me vengo en auto para acá recorriendo Sudamérica. Yo tenía toda mi película. Me dicen, no, tu también tienes que irte. Y yo pa´ la caga po hueón. Si hasta el día de hoy no me recupero…
Dijeron que tenían que irse mi hermana mayor, mi papá y yo. Estuvimos un mes, dos meses en la residencia de la Embajada. Como 200 hueones habían ahí. Llegaban de a poco, estaba todo coordinado po hueon. José Miguel Varas estaba ahí también. Una huea asquerosa amigo. Como era la Embajada de Alemania no había problema. No faltaba la huea de comer, pero fue penca igual, yo que era jipi y toda la huea… Después Alemania. Pa la navidad del 73 estábamos en Alemanía. Nosotros fuimos los primeros chilenos que llegaron a Alemania, a frankfurt. Tengo fotos del diario, vino el representante del alcalde a recibirnos. Nosotros la pasamos la raja, porque nosotros éramos Alemanes AAhhhhh. Fui a dar entrevistas. Las minas así nos miraban, porque éramos unas victimas en el fondo. Allá eran todos buenos, un país civilizado, no se conocían estas hueas. Llegaban así minas, porque allá son todos luteranos. Gente más sana que la chucha. Iban con un diccionario las minas preguntando ¿Cómo es Sudamérica?

T: ¿Por qué te volviste?

C: Echaba de menos a los amigos. Echaba de menos a mi país. Y cuando volví me di cuenta que la bandera estaba sucia. Capaz que un día me vaya. No sé como está Alemania ahora, pero ya no es lo mismo, dicen que ahora hay negros en Alemania.

T: ¿Y eres racista?

C: Si voy a Alemania no quiero ver negros po, que hacen los negros en Alemania. Venden droga y consiguen asilo político por triquiñuelas que los persiguen en el país y puro grupo. Los negros no hacen otra cosa que vender drogas. Lo otro es conseguirse una alemana y caficharle pero igual venden droga. Los negros deben estar en Etiopia. Mi abuelo era ingeniero hueón y gano un concurso internacional para construir el edificio del correo en Etiopia. Y lo construyó po. Y este hueón, Haile Selasie I le regalo a modo personal un reloj de oro con un sistema de martillo, tic, tac, tic, tac, una huea media rara.

Encuentro con Jorge Teiller

T: ¿Qué libro te remeció el piso?

C: Cuando lei el libro de Jorge Teiller Muerte y Maravilla ahí quede loco con la poesía, ahí quede impactado total. Ese libro es maravilloso. Lo vi ( a Teiller) en el Jota Cruz y yo estaba con mi polola. Mi polola tenía 23 años yo tenía 37, obvio. Yo andaba con una chaqueta y una camisa naranja o amarilla, una corbata florea jimihendriana total. Mi polola me dice, oye mira ese caballero de allá. Charlie me dice, charlie me decía. Me dice Charlie mira ese es el poeta que te gusta. ¡oye es él hueón! Ahí me puse como calcetinera. No aguante más y fui. Pucha le digo, yo soy admirador suyo siempre ando con su libro en el bolsillo. Justo me había cambiado de chaqueta y no lo tenía. Le dije, lo siento no tengo su libro. Me dice tomate un trago. No, no, no mezclo los químicos. Estaba tomando vino y yo tomo pura cerveza. Bueno voy hacer una excepción le digo. Así fue un diálogo nada más. Estaba con ese Emilio Neira Martinez.

Entrevista al Poeta-Barrista Yeko Aguilera

2011-01-05T15:31:00.000-08:00

Inedito

2011-01-05T13:58:00.000-08:00

El vídeo es inédito y repugnante. En él aparece Daniela Valentini fornicando con un dotado desconocido en una habitación en condiciones insalubres. Pudiera ser una producción snuff atenuada con leves toques coprófagos. A pesar de esto, Valentini se ve bien, es decir, está rica. Es una quincuagenaria deseable que durante algún tiempo significó ser el paradigma moral para las dueñas de casa.
Parece paradójico como una cajera de panadería provincial lograra ser una estrella televisiva entre fines de los ochenta y buena parte de los noventa. Valentini logro perfilarse como una de las mejores comunicadoras del medio chileno, hasta que su procedimiento de hacer televisión quedo obsoleto. 1959, nace en Cumpeo VII región. Durante su infancia es catalogada, por sus vecinos, como rara. Colecciona muñecas de trapos que, en vez de remitir a una ternura pueril, aluden una escenografía desaseada y funesta. 1975. Consigue su primer trabajo en la panadería de su tío: Pan de Lucce. Destacan una belleza en desarrollo y una simpatía caritativa. Al interior de la panadería resalta una inaudita imagen de la junta nacional de gobierno. Es una fotografía ampliada militarmente hermosa pero civilmente despreciable. Un impávido Augusto Pinochet predomina el retrato. Está sentado rígidamente pétreo ocupando el cuadro central fotográfico. Unos espantosos lentes ocultan un rostro aun más espantoso. Tiene sus brazos cruzados. Mendoza, Leigh y Merino aparentar ser sombras argumentativas que lo escoltan en una actitud más bien incomoda. Están sentados. El cuadro finge ser heroico pero posee leves imposturas que lo califican de antinomia épico bizarro. Los mismos personajes vislumbran un carácter de próceres forzados, héroes descalzos o ilustres sedimentos antihieraticos. 1978, es coronada como la mujer más bella de Cumpeo. Valentini estructura un malogrado discurso de 45 minutos, en el cual, aparte de agradecer hasta a sus perros, confecciona ficcionalmente un Chile futurista plagado de excesos suburbanos. Es una probable descripción que se hiperboliza gradualmente hasta pronosticar un final apocalípticamente estupido. Daniela Valentíni traza el bosquejo de una posible novela de CI FI en donde las tribus urbanas o “grupo de desquiciados adolescentes con un impreciso sentido de la vida que visten de manera extraña y escuchan música profana en forma de ritual” mal interpretan las letras de las canciones de su ídolo desencadenando una serie brutal de asesinatos. El escenario es un Santiago distorsionado por los efectos de una cópula mutante entre tecnología y sobrepoblación. Una cuidad insoportable. Grandes cantidades de basura se acumulan en los espacios públicos, que a su vez, actúan de improvisados comedores. La mayoría de las paredes están, en palabras de Valentín, “atiborradas de inentendibles rayados que poseen una deformación escritural intencionada, para transmitir el erróneo sentido de la música del falso profeta”. El arte se limita a ser “una expresión callejera que busca la caricaturización- Valentini intenta pronunciar esta palabra 3 veces, ante su ineficiencia la reemplaza por Burla- estilística de la contingencia social que vive el país”. El final es apresurado y encajado a la fuerza en un relato que tenía a medio Cumpeo horrorizado. Una ridícula dictadura es impuesta por parte de los fanáticos adolescentes. Estos- luego de sacrificar a su ídolo-mesías en una ceremonia que finalizaba con la amputación de las gónadas de los 4 miembros más influyentes y, posteriormente, con un sanguinolento banquete hecho con las extremidades tatuadas del profeta- comenzaban una revuelta popular que los llevaría a mutilar a los gobernantes de turno. Luego, ya con un palacio de La Moneda convertido en casa okupa, se patentarían una serie de anómalas leyes, que irían desde escuchar las revelaciones en la música del profeta antes de cada actividad física, hasta adoptar un modo de vestir estrafalario e igualitario. En un principio no hubo aplausos. Solo un desconcierto intrínseco reflejado en los consternados rostros de los pobladores de Cumpeo. Ante el silencio, Daniela Valentini emite un apocado gracias. La ovación es inmediata. El discurso, como era de esperar, repercute como una posible emisión metafórica en las autoridades militares. Agentes de la DINA- el propio tío de Daniela es un componente de primer orden- se entrevistan con ella. Ante los constantes cuestionamientos, Valentini argumenta que su relato es una narración moralizante que intenta persuadir las perjudiciales tentaciones de juvenil jolgorio que experimenta todo adolescente.

Por Camilo Tapia

Periplo, desde el azul oscuro al verde claro

2011-01-05T13:44:00.000-08:00

Conocí a Silvia Aurora Murua hace ya casi cinco años. El encuentro fue demasiado fortuito e impersonal, pero suficiente para percatarme de que no me encontraba ante una típica mujer. Llegué a las 5 de la mañana acompañado de Elsa Frottier, su hija, a una antigua casa ubicada en el cerro Alegre buscando cobijo o, por lo menos, un lugar donde esperar la luz del día. Elsa fue a dormir junto a su madre, en cambio a mi me facilito un cómodo sillón para dormir. Me mantuve despierto arrellanado sobre la colcha del sillón. Observé entre la penumbra el espacioso habitáculo: cuadros, esculturas, fotos, muebles antiguos y una gran biblioteca. No pude evitar escudriñar los textos que contenía, pero había un problema: la biblioteca estaba con llave. Supuse que muchos intrusos como yo frecuentaban el hogar. Quizás el mito del llevador de libros era una realidad constante ahí (yo ya había leído a Bolaño y la idea del atracador de bibliotecas me parecía de lo más pintoresca y seductora). Uno de los estantes tenía un vidrio roto donde mi mano pudo entrar y extraer al azar un texto, el que se encontraba más al alcance: Juan Emar, antología completa. La edición era de lujo. Podría haber sido fácilmente La Iliada o Cien años de soledad o cualquier otro, pero no, fue Juan Emar, uno de los escritores mas atípicos que ha parido entre sus masculinas piernas la narrativa chilena y uno de los críticos mas lúcidos en cuanto a arte se refiere y uno de los hombres de las letras mas vilipendiados mirado a menos y olvidados de los últimos cien años. Leí el Pájaro Verde. Leí esforzando mi visión entre la oscuridad que era parcialmente aplacada por la luz rastrera que entraba por la ventana. Me pareció una historia macabra y triste, pero contada desde un carrusel de caballos socarrones. Mi cabeza se repletó de tragedia mientras afuera los primeros colectivos de la madrugada dejaban entrar flashasos de luces intermitentes a través del espacio entre cortina y cortina. Sentí que la habitación se hacía más y más pequeña y pensé que el pájaro era un cuervo y que Emar era Poe y que la vida, a ratos, era Pulp Fiction de Tarantino Versión Dogma. Pero el día llegó. Una mujer de pelo teñido azul en bata se me acercó y casi susurrando me avisó que ya era hora de que me marchara. Elsa aun dormía. Caminé hacia mi hogar pensando en esa extraña mujer y en su pelo que, al atravesar el dintel de la puerta, se torno verdoso, imagino que por el efecto del sol y el embobamiento de mis ojos traspasando la oscuridad hacia la luz.

Por Marcelo Gomez

AQUI PRESENTAMOS LA PRIMERA ENTREVISTA DE
TATUCERAS PRODUCCIONES

CON USTEDES LA POETA AUTODENOMINADA UNDERGROUND PORTEÑA
AURORA MURUA.

WELCOME TO THE BLUNGLE!!!

2010-08-20T10:49:00.000-07:00